Arquitectura Quantumm

BU YEON DANG realizado por Iroje KHM architects

2012-02-10T00:16:00.001-06:00

Buscando la armoníacon la naturaleza así como las formas orgánicas, el equipo de diseño queintegra Iroje KHM architects, realiza un interesante trabajo que además pretendeobtener la máxima eficiencia del uso de suelo para incorporar en el mismoproyecto las posibilidades de obtener casa y oficina integradas.

La obra seasienta en Sungmam, Gyeounggi-do, Korea cerca de la ciudad, en un terreno de 330m² que mantiene un contexto bastante exuberante en vegetación. Además de tomaren cuenta una cantidad de determinantes como: la inclinación del terreno y laforma irregular que define la parcela donde se encuentra.

Logrando unarea construida de 168.52 m², se obtuvo una forma irregular que dio en estecaso las directrices del proyecto para crear su caprichoso resultado, prevaleciendola función sobre la forma. Dando como posibilidad la fórmula idónea donde laarquitectura roza la línea del arte.

Con lafinalidad de diferenciar los espacios habitables se separan totalmente límites físicosentre la casa y oficina, optando por la parte baja y subterránea de la construcciónpara ubicar la oficina o despacho, para llevar al nivel superior la zona devivienda que se integra de manera ordenada hacia varios jardines internos conespacios abiertos y cerrados.

Sin dejar depensar en la disposición del terreno que cuenta en su fachada principal con lacalle inclinada. Se desplanta un sistema de entre-pisos y doble altura, paraaliviar la carga de movilidad vertical, manteniendo un paseo espectacular conla producción de la continuidad visual de manera espacial.

HyoMan Kimcomo responsable del proyecto en IROJE KHM Architects integra los diferentes nivelescomo cajas de madera flotantes hacia el jardín superior de bambú que además determinael espacio abierto en cada nivel. Su forma dinámica continúa basándose en elaccidentado paisaje para determinar este espacio interior.

BU YEON DANGtambién requirió de la colaboración del Equipo de Diseño disponible en IrojeKHM architects integrado por Su Mi Jung y Jung Min Oh que buscaron el rematedestinado hacia los jardines de la planta más alta en la casa, convirtiendoloen espacio dinámico que arranca desde el nivel bajo tierra hasta el último nivel.Combinándose los interiores con elpaisaje circundante de la naturaleza.

Con laintención de armonizarse con el contexto natural, la configuración flexible delespacio interior, destaca las líneas curvas exteriores. formando el vocabulariode la forma arquitectónica dentro de una no-arquitectura. Como si la"naturaleza arquitectónica", cubriera con piel de cobre curva.

Arquitectura: HyoMan Kim – IROJE KHM Architects

IngenieroEstructural: Guang Min Jun

Fotografía:JongOh Kim

IROJE KHMArchitects

Publicado por:

Arq. Emilio Rodriguez Covelo

Mexico en Miniatura

2012-01-30T00:45:00.004-06:00

México enMiniatura es una interesante exposición que engloba dentro del mismo recinto algunosde los monumentos (realizados a escala) más importantes y emblemáticos de lahistoria pasada y presente de México como nación.

Esta exposiciónal aire libre se encuentra ubicada en la ciudad de México dentro de la segundasección del bosque de Chapultepec. Manteniendo como principal misión exhibir entercera dimensión la riqueza arquitectónica que esta diversificada a lolargo de todo un país, formado por la fusión de diversas culturas. Un paísdonde se expresa su historia al más puro estilo escultórico implantado a lolargo de su vida.

El objetivose cumple dejándonos apreciar dentro del mismo lugar; monumentos de la época precolombinaque sembraron las raíces de un pueblo empapado de culturas que avanzaban ensenderos diferentes de los conocidos por Europa durante los primeros siglos dela historia dentro del calendario romano.

Iniciando elrecorrido dentro de las reproducciones a escala, nos hace frente la pirámide de Kukulcán y ChichénItzá, pero en segundos nos pone a viajar hacia la zona arqueológica de Tulúm,Quintana Roo, para llegar a Palenque, Chiapas o Tula en Hidalgo para ver de formainstantánea sus característicos atlantes. Sin olvidar un paso por el Tajín,Veracruz. Rematando la vista en una de las culturas más antiguas como la deTeotihuacán.

Con elrecorrido del México prehispánico a unos pasos encontramos el México Colonial,la Catedral de Zacatecas, la Iglesia de Cholula (Puebla), la Catedral de Guadalajara,el Centro Cultural Cabañas, el convento de Tepotzotlan, la catedralmetropolitana de la Ciudad de México. Sin dejar de percibir el castillo deChapultepec o La plaza Mayor con Palacio Nacional representados a escala entodo su esplendor. Todos monumentos que evocan la riqueza del México Colonial yde independencia que llegaba hasta los recargados estilos barroco y rococó.

Muy cercanos proyectamos hasta el México moderno donde a primera vista nos impone elPalacio de las Bellas Artes, el edificio de correos, Banco de México o elmonumento a la Revolución. Para rematar con construcciones más actuales dondese exponen el Iuseo Nacional de Antropología e Historia, el Palacio de losDeportes, la nueva Basilica de Guadalupe, entre otros.

En total “Mexicoen Miniatura” cuenta con 75 maquetas. Las cuales son diseños del arquitecto yescultor mexicano Pedro Ramírez Vázquez quien coordinó y dirigió a 150 artistasde diferentes estados del país para crear estas piezas para la exposición condiferentes materiales plásticos (fibra de vidrio)y constructivos.

Las maquetasrealizadas por el equipo del Arquitecto Pedro Ramírez Vázquez son muestra fielde las originales, y están reproducidas de forma meticulosa con exquisitosdetalles acorde a su entorno natural. "México en miniatura" estáabierto al público en la Ciudad de México de martes a domingo de 10:00 a 5:00de la tarde y el boleto de entrada cuesta solamente 10 pesos (bebés y personasde la tercera edad entran gratis). Una muestra que vale ha pena para artistas,ingenieros y Arquitectos. Pero para cualquier persona que tenga deseos deconocer en un paso sencillo, la gran riqueza cultural que existe en México.

Publicadopor:

Arq. Emilio RodríguezCovelo

Nota:

EnArquitectura Quantumm, queremos recomendar la necesidad de cubrir de formaadecuada toda la exposición para evitar su deterioro por estar montadatotalmente a la intemperie. Un legado cultural para que puedan seguirdisfrutando las nuevas generaciones.

Nuevo Corporativo de Televisora Phoenix en Beijing

2011-11-07T18:08:00.000-06:00

Con una propuesta arriesgada e innovadora, los arquitectos de BIAD OVNI lograran una propuesta espectacular. Un proyecto que ahora se encuentra en construcción para la empresa de televisión por satélite Phoenix con sede en Beijing, China.

Además del concepto estético, el estudio de arquitectos desea unir las formas rebuscadas al idealismo ecológico de actualidad. Pretendiendo reducir las emisión de carbono y adhiriendo este sentido ecológico dentro de su arquitectura.

Diseñada por la firma de arquitectura BIAD UFo, por encargo de la Phoenix Satellite Television de China, la edificación está integrada por dos grandes torres, las cuales albergarán en su interior las oficinas de esta importante empresa de comunicaciones.

El proyecto, se levanta actualmente sobre un terreno de 1.8 hectáreas, en las que también se llevarán a cabo la integración de diversos espacios abiertos para el público en general, con el fin de ofrecer mayor apertura del complejo.

El edificio contara con una superficie total construida de 64,973 m2 y una altura de 55 metros. El diseño está basado fundamentalmente en la forma de un caparazón que contiene en su interior los edificios de oficinas, bajo el concepto de una construcción dentro de otra construcción.

Las dos torres de oficinas crean en el interior de la estructura espacios públicos compartidos que obtienen una dinámica única al comunicarse mediante plataformas, rampas y escaleras mecánicas, las mismas que daran fluidez a la circulación, y ofrecen diferentes espacios de convivencia humana.

Con el interés de proteger a los usuarios del clima extremoso de Pekín, el diseño abierto permite que el agua de la lluvia caiga dentro del edificio para posteriormente ser reciclada en una cascada artificial y el riego de áreas verdes.

Además el proyecto pretende contar con microclima propio, el cual durante invierno o verano, devido a su doble capa exterior es ofrecido mediante la estructura que reduce los efectos del viento como una pantalla para lograr la amortiguación del clima, tanto frio como caliente según la estacion que se presente en la ciudad china.

En lo que respecta a su ventilación, esta se pensó de forma natural para producir un ahorro energético, prescindiendo en su mayoría de maquinaria y equipo para afectar de la menor manera posible a la ecología .

Con el inicio en 2009, la obra completa se desea terminar a finales de 2012, formando parte de la nueva imagen que presenta Beijing. Una ciudad moderna que presenta los mismos (o mayores) problemas como las grandes urbes de occidente. Pero que sin duda mantienen un flujo de capital y crecimiento gracias a la nueva y acelerada economía China.

Publicado por:
Arq. Moises Berkman

Inauguración del Burj Dubai la torre mas alta del mundo

2010-01-04T15:19:00.002-06:00

En Dubai por fin se inauguró este 4 de Enero de 2010, en una ostentosa ceremonia que buscó ponerle una sonrisa a sus profundos problemas de deuda, mientras muchos se preguntaban si la torre 'Burj Dubai' corona la gloria del emirato o si se será una de sus últimas alegrías, luego de los problemas económico que enfrentó el emirato a fines del 2009.

El rascacielos de 1,500 millones de dólares cuenta con 200 pisos y mide 828 metros de altura. Fue inaugurado en medio de un fuerte dispositivo de seguridad y una ceremonia especial con la que se busca restablecer el ánimo de la población, con un impresionante despliegue de fuegos artificiales, espectáculo laser y ceremonias de primer nivel.

El presidente del gigante inmobiliario y promotor del proyecto, Emaar, Mohammed Alabbar, reveló que el edificio de 200 pisos, pero sólo 160 estarán ocupados por apartamentos y oficinas, de los cuales 90 ya están vendidos.

El 'Burj Dubaim' (Torre de Dubai), cuya construcción comenzó en 2004 con la labor de unos 12 mil trabajadores, tiene más de mil departamento, 57 ascensores, un hotel de lujo diseñado por Giorgio Armani y centros comerciales, según un reporte de la cadena árabe Al Yazira.

Dubai, que se ha ganado una reputación por sus excesos con la creación de islas hechas por el hombre en forma de palmas y pendientes nevadas para esquiar bajo techo en el desierto, logro ahora romper el récord del edificio más alto jamás construido por el hombre.

La apertura del 'Burj Dubai' es vista como un comienzo positivo del año y una posibilidad para superar las dificultades financieras de Dubai, aunque el edificio ha sido objeto de críticas de ambientalistas quienes considera que la torre aumentará la contaminación en Dubai.

Bill Baker, el ingeniero estructural del edificio, destacó que la construcción de la torre fue algo muy especial porque nunca se definió que tan alto podría llegar:"Fue como una exploración, una experiencia de aprendizaje". Baker, quien trabaja para la firma de arquitectura e ingeniería Skidmore Owings & Merril, con sede en la ciudad estadunidense de Chicago.

Pero las dudas sobre los 100.000 millones de dólares que debe el emirato, han convertido a su bolsa en una de las de peor desempeño del mundo, eclipsaron tanto la ceremonia como el alarde de la constructora, Emaar Properties.

David Butter, director regional de Economist Intelligence Unit para Oriente Medio y África del Norte, comento:
"El temor de Dubai es que el evento sea recordado como un segundo ataque de irreverencia".

El presidente de Emaar (Mohamed Alabbar) la mayor desarrolladora inmobiliaria del mundo árabe que cotiza en bolsa, dijo por su parte:
"Tienes que preguntar: '¿Por qué construimos todo esto?'. Para traer calidad de vida y sonrisas a la gente y creo que deberíamos seguir haciéndolo. Las crisis van y vienen. Construimos para los años por venir. Tenemos que tener esperanza y optimismo".

Publicado por:
Arq. Emilio R. Covelo

Herzon & de Meuron Lincoln Road 1111

2009-11-19T01:37:00.000-06:00

El 1111 Lincoln Road proyectado por Herzon & de Meuron será uno de los puntos altos en la ciudad de Miami, según las palabras de Jacques Herzog el proyecto se destaca principalmente; “ por un concepto interesante donde todos los músculos de un edificio quedan sencillamente a la vista”.

Considerándose esta obra como una representación de la esencia del nuevo modernismo-tropical, con un interesante juego de estructura portante similar a múltiples aspas de avión giradas.

El exterior del edificio se presenta con una completa desnudez, permitiendo la libre circulación de aire y luz natural. El proyecto combina múltiples funciones desde retail, área de comida, vivienda, comercios alternativos, y zonas de estacionamientos tanto para los residentes como los visitantes.

La circulación en automóvil está pensada para rodear el núcleo del edificio, alternando planos panorámicos entre comercio y vistas de la ciudad. Una rampa recorre interiormente el edificio, permitiendo ascender a los coches a los niveles superiores. Logrando una interacción del visitante con la estructura y el entorno sin bajar del auto.

Para su desarrollo los Arquitectos Herzon & de Meuron tomaron en cuenta el entorno urbano unido a la libertad de los espacios. Pensando también en integrar la funcionalidad de las diferentes areas, en un mismo entorno. Buscando en ello la sencillez unida a la impresionante fuerza que ofrece la estructura.

Como otro ejercicio importante de adaptación al medio, los arquitectos suizos hacen esta vez una propuesta que toma como referencia la arquitectura Art-decó, que proliferó en Miami en el periodo de entreguerras evocando los perfiles marítimos. La cual tomaba como inspiración creativa: velas de barco, alas de gaviota, hélices de barcos o mástiles.

Para los espacios internos y de circulación Herzon & de Meuron, pensaron en ambientes con plantas, espejos de agua, y vegetación que incorporan los lugares al mismo entorno de características tropicales que ofrece la ciudad de Miami.

Como el nuevo edificio será uno de los puntos más altos de la ciudad, se pretende convertir en el nuevo lugar de moda y mirador privilegiado. Cuenta con entrepisos de doble altura, en los que se observa con mayor magnitud el concepto de la estructura y la intención de los planos abiertos.

Un edificio en donde la luz tiene un protagonismo muy especial, con una importante ausencia del envolvente exterior, lo que permitirá la visión, desde el exterior, de las aspas giradas que componen la estructura.

El reto estructural planteo un esfuerzo interesante para los Ingeniros, para lograr con sus formas el apoyo de la estructura tomando en cuenta el peso de la propia estructura asi como el que añadirán al inmueble las personas, el mobiliario y sobre todo los automóviles.

En todo el proceso de la obra se observaron las aplicaciones del sistema constructivo tradicional, el cual fue creciendo con hormigón (concreto) armado piso por piso.

Es importante destacar los claros libres, tan amplios, que se tuvieron que conseguir haciendo del proceso de construccion, tambien una importante obra de calculo estructural e ingenieria.

Iniciada en 2008 la obra esta por concluirse, pensando en la inauguración del 1111 Lincoln Road, en Diciembre de 2009, conjugando esta con las fechas importantes de venta para los comercios que ocuparan algunas zonas del edificio.

Publicado por:
Arq. Emilio R. Covelo.

UNStudio en Asia Raffles Cityes para Hangzhou, Zheijang.

2009-11-03T03:35:00.001-06:00

Asia pero sobre todo China, se esta consolidando como una gran potencia económica mundial, que gana cada vez más poder en el escenario global. De esta forma, la fisonomía de sus metrópolis comienza a convertirse en impresionantes urbes de modernidad.

El despertar económico de la gran China es ya un hecho y existen ambiciosos proyectos arquitectónicos como Raffles Cityes, creado por UNStudio, un par de torres de 60 plantas en donde tendrá cabida un pequeño mundo con comercios, oficinas clase A, apartamentos de lujo y un hotel de 5 estrellas.

Algo interesante para destacar en el concepto del proyecto, es que hay otras Raffles Cities en mas ciudades asiaticas, al parecer con bastante exito. Tambien proyectadas por el mismo equipo de arquitectos y diseñadores holandeses “UNStudio”: Singapore, Shanghai, Beijing, Chengdu y Bahrain.

Raffles Cities Singapore

Raffles Cityes Beijing

La ubicación de Raffles Cityes para Hangzhou (China) se sitúa cerca del Río Qiangtan, la capital de la provincia de Zheijang, en China. El proyecto incorpora retail, oficinas, viviendas y un hotel, al mismo tiempo que enmarca el lugar con un paisaje cultural en el área de la nueva ciudad de Quianjiang.

Dibujando una linea, incorporada a un diseño que gira en la vertical como si presentara un principio de espiral, pero que vista desde otro ángulo parece una botella alsaciana dirigiéndose hacia el cielo.

Estas torres pretenden dar vida a toda el área cercana para el año 2012, con el objetivo de incrementar visitas a la ciudad y transformar este lugar como un nuevo punto de llegada para turistas y visitantes según explicaron los arquitectos de UNStudio .

Gran parte del exito para Raffles Cityes en Asia, es la de integrar los usos mixtos al contexto urbano. En Raffles Cityes para Hangzhou, ademas consiguen expresar una Arquitectura de vanguardia mediante el gesto formal del giro. Buscando crear una obra iconica del contexto y un lugar agradable para sus ocupantes, el cual se abre a través de las vistas hacia el entorno urbano y el paisaje natural.

El complejo de las torres Raffles City es el resultado de 4 años de diseño por parte del equipo de UNStudio en Asia. Las 2 torres alcanzan una altura de 60 pisos y dirigen sus vistas hacia el río Qiantang y hacia una zona de lagos ubicada al Oeste.

Para su construcción se estan consideraron materiales de bajo impacto con el medio ambiente y sistemas de eficiencia. Los cuales reducen las distancias y no hacen necesario el uso del transporte. El proyecto se diseñó bajo los estándares LEED pues pretende alcanzar una Certificació Gold.

Otra de las características fue el plan de usos mixtos muy considerado en el planteamiento de la nueva Arquitectura. Contarán con una superficie aproximada de unos 300.000 metros cuadrados distribuidos en 60 plantas, y serán de uso mixto, puesto que en su interior albergarán tanto comercios, oficinas, apartamentos de lujo y un fabuloso hotel de cinco estrellas.

El complejo y las torres tienen como fecha prevista para su finalización el año 2012.
Ese es el plazo previsto para la empresa constructora. China se esta convirtiendo en un destino turístico, y posiblemente en un futuro no muy lejano, también será residencia alternativa para empresarios en este mundo globalizado

Publicado por:
Arq. Emilio R. Covelo

Alguna vez te han contado una historia con las manos

2009-11-01T02:16:00.002-06:00

Kseniya Simonova es una joven artista ucraniana que usa arena, luz y música pra crear auténticas maravillas, ganó la edición ucraniana 2009 de Got Talent, programa de TV creado en Inglaterra y posteriormente exportado a varios países donde gente con cualquier tipo de talento compite entre sí para obtener el primer lugar.

Kseniya Simonova en éste video va creando imágenes con arena sobre una mesa iluminada que retratan la vida de personas afectadas por la invasión alemana a Ucrania durante la Segunda Guerra Mundial.

Daniela Garza

Arq. Norman Foster y Masterplan para el Distrito Cultural de West Kowloon en Hong Kong

2009-10-31T10:11:00.000-06:00

El Arquitecto británico Norman Foster ha sido seleccionado para dirigir uno de los tres grupos que ayudará en la preparación de un Masterplan para el nuevo distrito cultural de Hong Kong. Foster ya estuvo involucrado anteriormente en el proyecto, que se detuvo hace tres años debido a la protesta pública sobre algunos de sus diseños para el complejo.

Foster creó controversia cuando propuso una marquesina o cupula de 15 metros de altura que cubriría más de 40 hectáreas del complejo cultural que pretende construirse en la zona de Kowloon Oeste, en la ciudad de Hong Kong.

Los otros dos equipos estarían dirigidos por Rem Koolhaas y el arquitecto local Rocco Yim. Todo el proyecto del distrito cultural tendrá un costo para Hong Kong de 21,000 millones de dólares y comenzará en los próximos tres años.

El legado cultural de comercio y negocios de Hong Kong ha generado una energía de riqueza creativa, pero nunca un hogar permanente para las artes. Ganado como resultado de un concurso internacional, este masterplan para el Distrito Cultural de Kowloon Oeste (West Kowloon Cultural District) proporciona para Hong Kong una colección sin precedentes de arte, presentaciones y centros de ocio.

Construido completamente en una zona previamente regenerada en el “Kowloon Oeste”, como paseo marítimo opuesto a la Isla de Hong Kong. El proyecto consolidará la reputación de Hong Kong como un destino cultural mientras proporciona una imagen de arquitectura icónica para la ciudad.

El nuevo distrito está concebido como un jardín apacible, que integra una serie de artes, representaciones y centros de ocio con un enorme parque urbano, situado bajo una gran marquesina que lo envuelve todo. En parte abierta, en parte opaca, y con distintos recursos para dar sombra, la marquesina creará un ambiente confortable, protegiendo a los visitantes de las inclemencias del tiempo, y generando su propio microclima con corrientes refrescantes en pleno verano.

El proyecto contempla: un museo de arte moderno, un enorme centro de representaciones, y distintos teatros y salas de conciertos se sitúan por el final del distrito oeste, mientras que los cines, restaurantes, tiendas e instalaciones de ocio se extienden hacia el este a lo largo del eje y el lado del puerto.

Cada una de estas zonas es accesible mediante un sistema de flujo de personas, que está integrado con las actuales redes de transporte de la ciudad, y por un parque elevado situado a 7 metros de altura. Con este los visitantes tendrán panorámicas por encima del Puerto Victoria (TheVictoria Harbour) y del skyline de Hong Kong, al mismo tiempo que se desplazan a través del parque.

La cupula evoca un paisaje ondulante, inspirado en la topografía natural de la península de Kowloon. Más del 70% del desarrollo bajo la cupula, está destinado al parque, donde la plantación irregular de árboles maduros creara la impresión de un bosque que se forma por la orilla del puerto.

Un anfiteatro acuático forma el núcleo de la orilla del distrito oeste, mientras que los árboles y los claros de césped se presentan bajando a lo largo del paso marítimo del sur. La cubierta permeable, que controla el ambiente natural y la red de jardines y espacios públicos, logra el objetivo de crear personalidad, lugares agradables y una experiencia cultural plena y enriquecedora para redefinir el fuerte carácter de la región cultural urbana.

Publicado por:
Arq. Moises Berkman

Populous una oficina de arquitectura especializada en instalaciones deportivas

2009-10-10T07:14:00.001-05:00

“Populous” es la primera oficina de arquitectura que se ha adjudicado oficialmente el diseño de dos Estadios Olímpicos a la vez, actualmente se encuentran trabajando en el estadio principal para los Juegos Olímpicos de Londres 2012, cumpliendo ya 25 años involucrados directamente con los juegos Olímpicos y Parolímpicos.

El estudio estadounidense de arquitectura también ha sido seleccionado por la compañía estatal “Olympstroy” para diseñar el estadio principal de las Olimpiadas de invierno que se celebrarán en la Ciudad de Sochi, Rusia en el año 2014. Ambos suponen un importante empuje para esta oficina, ubicándolos como la primera empresa a nivel mundial, en realizar 2 proyectos de esta magnitud al mismo tiempo.

La firma además ha diseñado el master plan para las instalaciones deportivas y no deportivas para Sochi, lo cual junto al diseño del estadio para 40.000 espectadores, les amplia la perspectiva de trabajo entorno al conjunto olímpico.

El director del proyecto para Rusia John Barrow, opina: “El diseño del estadio principal, además de ser un nuevo recinto deportivo para los Juegos de 2014, ofrece una visión maravillosa para los Juegos Olímpicos de Invierno, y un legado sustentable duradero para Sochi”.

“Su forma responde a la ubicación tanto de la costa como su fondo montañoso, mientras que su piel cristalina se relaciona con su entorno durante el día, y proporciona una representación icónica del color y el espectáculo de los juegos cuando se ilumina por la noche.” Sochi es una ciudad Rusia situada a orillas del mar negro.

El diseño para el estadio, esta inspirado en la forma de un canto rodado, tendrá como principal seña de identidad la cobertura parcial del graderío con una estructura de paneles semitransparentes que recuerdan la textura de las alas de una libélula.

Populos para este desarrollo se asocia con las empresas constructoras "Engeocom" (Rusa) y "Botta Management". Veremos cómo se desarrolla el proyecto y cómo va concluyéndose, aunque sin duda se iguala mucho a una mezcla del “Nido” de Herzog y de Meuron y el “Cubo de Agua” de PTW Architects, ambos en Pekín 2008.

Para entender lo que es "Populous" hay que habler antes de“HOK Sports Venue Events” que fue una oficina de arquitectura, especializada en instalaciones deportivas creada en 1983. El nombre de la empresa “HOK” responde a las iniciales en los apellidos de sus integrantes quienes iniciaron este negocio por el año 1955 en St. Louis (Missouri) Estados Unidos: George Hellmuth, Gyo Obata y George Kassabaum.
Logrando entr sus trabajos mas importantes la realización de los más prestigiosos estadios de arquitectura deportiva, como: Manchester, Wembley, el Olímpico de Sydney y Wimbledon entre otros.

“Populous” fue creada en enero de 2009 a trabes de una compra de administración para convertirse en propiedad y operación independiente de lo que era “HOK Sports Venue Events” que formaba parte de Grupo “HOK”.

“Populous” conocida anteriormente como “HOK Sport Venue Events”, actualmente cuenta con oficinas en varias ciudades del mundo: Kansas City, London, Brisbane, New Cork, Denver, Nashville, Knoxville, Auckland, Singapore, Hong Kong.

“Populous” tambien es la empresa encargada de realizar el estadio olímpico de los juegos de Londres 2012. Trabajando en el Reino Unido (Todavía como “HOK Sports Venue Events”) con Sir. Peter Cook logro la adjudicación del estadio.

Sir. Peter Cook un prestigioso y reconocido arquitecto británico fue uno de los principales promotores para lograr el proyecto del Estadio Olímpico para la firma.
El Arquitecto Peter Cook a sido ganador de varios concursos internacionales para la vivienda social, viviendas con energía solar, un museo de la información, un museo de antigüedades y el Kunsthaus en Graz, Austria. Este último proyecto le valió una preselección con Colin Fournier para el Premio Stirling en 2004.

El proyecto creo’ un recinto que permitirá el acceso de 80.000 espectadores a las pruebas de atletismo y concebido especialmente para este evento. Estimado en 496 millones de libras (712 millones de euros), una cantidad que supera la prevista inicialmente, está en el corazón del Parque Olímpico diseñado en Stratford, un barrio del este de la ciudad hasta ahora desfavorecido.

Sebastian Coe, campeón olímpico de 1.500 metros y presidente del Comité de Organización de Londres-2012, especifico junto al comité, que por primera vez en la historia de los Juegos el estadio deberia ser concebido específicamente para permitir a 80.000 personas asistir a las pruebas de atletismo y que no fuera un recinto pensado para otro deporte. Otro reto en el diseño, ha sido que tras las olimpiadas, el estadio será reconfigurado para 25.000 espectadores y está previsto que se destine a pruebas atléticas.

Las obras de construcción comenzaron en mayo de 2008 y el recinto debería estar terminado en el 2011, para permitir la disputa de competiciones y pruebas preolímpicas, según determinaron las autoridades olímpicas.

“Populous” con el Arquitecto Rod Sheard al mando de la ejecucion para el estadio, el cual ya trabajó en el estadio olímpico de Sydney-2000. Confio la tarea de construccion al consorcio Team McAlpine, que construyó con éxito el Emirates Stadium, y el estadio del Arsenal.

Parece que “Populous” continua siendo la firma mas importante a nivel mundial para la creación de eventos e instalaciones deportivas, sin importar el cambio que sufrió a principios de 2009.

Link POPULOUS

Publicado por:
Arq. Emilio R. Covelo.

DnB NOR concentrado en la bahía de Bjorvika Oslo

2009-10-05T00:02:00.002-05:00

En el año 2003, el estudio MVRDV, en colaboración con las empresas Noruegas Dark y a-lab, ganaron el concurso para el desarrollo de la bahía Bjorvika y diseñaron un plan maestro denso junto a Nyland Allé, el -Oslo Barcode-, que será desarrollado y realizado por OSU en fases.

La institución financiera internacional de Noruega DnB NOR decidió concentrar sus veinticinco sucursales actualmente dispersas por toda la ciudad en el plan Barcode. En el año 2007, el equipo de desarrollo del plan maestro le fue encargado por el desarrollador OSU el diseño de un concepto urbano.

El nuevo conjunto de tres volúmenes y un sótano común con un pasaje subterráneo de 3,000 metros cuadrados, que liga los tres edificios con el banco, fue desarrollado. Al estudio MVRDV fue seleccionado como arquitecto para el edificio central y coorresponsable del pasaje.

El desarrollo del nuevo corporativo es una operación estratégica cuya meta es la sinergia e identidad clara de la istitucion. El objetivo era el de traducir el carácter social y democrático de la organización en un edificio con excelentes condiciones de trabajo y cualidades espaciales. La estructura esta concebida como un rack de acero el cual permite la adaptación a la naturaleza flexible de la organización.

Contando con una superficie total de 80,000 m2, es desarrollado por la empresa Noruega Oslo S Utvikling [OSU] con sede en la Ciudad de Oslo, y su edificio central, diseñado por el estudio MVRDV cuenta con 17 pisos y una superficie de 36,500 metros cuadrados, está programada para terminarse en el año 2012.

El diseño pixelado se adapta al contexto urbano y combina una organización interna, eficiente y flexible, basada en entidades de trabajo a pequeña escala, con una variedad de espacios comunes específicos, un pasaje público techado y un respeto a las vistas de la ciudad.

Con la finalización de la etapa de cimentación hasta el nivel del sótano, la construcción del edificio principal del Nuevo Corporativo DnB NOR en Noruega, ha iniciado su fase principal.
El rack de acero esta envuelto en un revestimiento pétreo, el cual adopta los estándares del ambiente Noruego. Tiene apariencia de roca, una forma fuerte en los límites del plan Barcode. Los nichos de esta roca porporcionan espacios para el crecimiento de vegetación: la posición de los pixeles crean techos verdes o áreas verdes exteriores para cada piso.

Los espacios genéricos de oficinas se reclinan y se empotran en varios lugares para reflejar el contexto urbano y para crear áreas comunes interiores, exteriores e impresionantes condiciones de iluminación.

A nivel de la calle el volumen del edificio es abierto y cubierto en las zonas de acceso, e intersectadas por un pasaje público que se dirige a la Estación Central de Oslo. El diseño pixelado permite está respuesta específica y al mismo tiempo es altamente eficiente y flexible. Como resultado, cada piso del edificio es único y genérico específico.

Adicionalmente a sus más de 2,000 espacios flexibles de trabajo el edificio contiene un comedor panorámico de 140 asientos en si nivel más alto, la sala de ejecutivos ofrece vistas sobre el fiordo, la sala de juntas, en el núcleo del volumen, la sala mercantíl de DnB NOR con 250 estaciones de trabajo, y el acceso principal con espacio de recepción y acceso al pasaje. Estos elementos colectivos son conectados con rutas escalonadas continuas y terrazas, exhortando a las reuniones y a la comunicación entre empleados.

La ruta que conduce desde la recepción hasta los niveles más altos del edificio, conectando los niveles de oficinas con las áreas comunes. Una serie de escaleras de madera y puentes le permiten a los empleados desplazarse por los niveles e incluso caminar los 17 niveles hasta el comedor en un lado del edificio y bajando por el otro lado.

La ruta acomoda las áreas comunes con los pisos de oficinas y contiene una serie de despensas, áreas informales de reunión y chimeneas. Proporciona acceso a las diversas terrazas exteriores y a los jardines de sus azoteas.

Todos estos espacios colectivos son diseñados como pixeles de cristal ofreciendo vistas sobre los alrededores y transparencia desde el exterior. La ruta es ventilada naturalmente y cuenta con cristales de alto desempeño para los fríos inviernos Noruegos.

En representación de OSU, MVRDV colabora con el arquitecto Noruego DARK Arkitekter AS y varias empresas de ingeniería Noruegas. La gestión del proyectyo es ejecutada por la empresa Noruega Vedal Project AS.

El segundo edificio del conjunto DnB NOR es diseñado por A-lab y el tercer edificio por Dark Arkitekter, todos dentro del proyecto del plan maestro y el plan maestro urbano Barcode realizado por MVRDV / DARK / a-lab.DnB NOR es la insitución de servicios financieros más importante en Noruega. El Grupo esta configurado por instituciones como DnB NOR, Vital, Nordlandsbanken, Cresco, Postbanken, DnB NORD y Carlson.

En el desarrollo de la bahía Bjorvika en Oslo (Noruega) junto al plan maestro Nyland Allé, también podemos encontrar La Ópera y El Ballet Nacional de Noruega, un proyecto realizado por el estudio Snøhetta. Esta fue la obra ganadora del premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europa - Premio Mies van der Rohe 2009.

Publicado por:
Arq. Moises Berkman.

El nuevo Museo Soumaya por LAR+Fernando Romero

2009-09-28T00:26:00.002-05:00

El nuevo Museo Soumaya, ubicado al norte de la ciudad, será “un edificio de vanguardia, con formas orgánicas. La nueva estructura pretende ser nada menos que “Un Icono” de la Ciudad de México, para formar parte del Master Plan creado para la zona Polanco de la ciudad.

Sin embargo, su pretensión va más allá de ser un buen depositario de las colecciones de objetos de arte del Siglo XIV y otras piezas importantes, que hasta el presente ha adquirido el empresario mexicano Carlos Slim, y que canalizara formalmente vía la Fundación que lleva su nombre.

El nuevo Museo Soumaya pretende un carácter diverso en su concepción. Cubriendo un amplio rango de tiempo, desde el siglo XII hasta el XXI, contando en su colección de arte con diversos objetos. Albergando casi 7,000 piezas, el edificio debe reflejar esta multiplicidad ofreciendo una variedad de plantas donde cada una es única en tamaño y forma: esta singular geometría surge a partir de la rotación y torsión.

Además, la colección requiere ciertas condiciones específicas que garanticen su mantenimiento, como temperatura, iluminación, humedad y seguridad, las que se logran teniendo distintos recintos de exhibición que ofrecen variadas posibilidades de exposición, apertura, cercanía, altura y luz natural.

Obra del Arquitecto mexicano Fernando Romero + LAR(Laboratory of Architecture). El Arquitecto Romero fue miembro del equipo que gano el concurso para la Casa da Música de Oporto, junto a Rem Koolhas’s OMA(Completado en 2005). Una de sus obras interesantes es la realizada también con LAR. El Puente de Ciudad Jarez.

Fernando Romero completo su educación en la escuela de arquitectura de la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México. Romero, nacio en 1971, y trabajo
desde 1997 hasta el año 2000 en Rotterdam, para el estudio de arquitectura koolhaas’s OMA (Office for metropolitan architecture).

En 1999, Romero establece LCM (laboratorio de la ciudad de México) en la Ciudad de México. Como arquitectura práctica se dedica a investigar el fenómeno urbano, y la organizar de eventos culturales. Ha desarrollado proyectos no solo en México, también en varias partes del mundo y fue el principal promotor de la muestra Latinoamericana en la pasada Bienal de Arquitectura de Beijing.

El Arquitecto Fernando Romero, esposo de Soumaya Slim desde el año 2000, trabajo durante mas de tres años en el proyecto del museo, con unos 6 mil metros cuadrados para exhibición, además de auditorio, librería, oficinas, estacionamiento, bodegas y locales comerciales. El costo se estima en 16 millones 800 mil dólares.

El nuevo Museo Soumaya esta pensado por LAR+Fernando Romero como un museo vertical, donde los programas se ubican como respuesta a las lógicas de funcionamiento, requerimientos y magnitud. Cuando uno entre a este museo, se mueve a través de cinco niveles de exposición por ascensores o escaleras que conectan los pisos, y a través de una de las escaleras se accede al piso superior, el cual albergara la segunda colección más grande de Rodin del mundo, así como una exposición temporal. Este último nivel posee luz natural filtrada a través de un domo, que apunta a una reducción del gasto energético.

La fachada esta concebida con el uso de un nuevo material “hormigón (Concreto) translúcido”. Lo que se pretende con la aplicación de este nuevo material es filtra la luz, otorgando la sensación de luminosidad y espacios abiertos, sin sacrificar la integridad estructural del material. El diseño carece de particiones interiores como muros o columnas, entregando total libertad para adaptar el espacio a los requerimientos de cada exhibición.

En la concepción de su forma, permitirá que todos los usuarios perciban de manera diferente la entrada al museo. Todo esto en un disposición con 17,000m2 que contará con una área de exposición de seis mil metros cuadrados, distribuidos en cinco niveles, que incluyen auditorio para 350 personas, biblioteca pública, oficinas, cafetería y bodegas con dos mil 500 metros cuadrados, estacionamiento y comercio.

Anunciado para ser inaugurado a mediados del 2010, el Museo Soumaya técnicamente cumple con los estándares que se esperan en este tipo de edificaciones, además de incluir algunas innovaciones. Su diseño incluye rutas no lineales para la circulación del público, niveles intermedios abiertos en un volumen continuo, pero separados parcialmente por las áreas incluidas, haciendo todos los espacios únicos en su estilo y forma.

El nuevo Museo Soumaya pretende ser nada menos que un Icono de la Ciudad de México.
¡Sin embargo “Un Icono” es algo muy especial que se configura por su singularidad!
Según el arquitecto norteamericano Charles Jencks: -... para que un edificio se convierta en Icono arquitectónico, requiere una imagen de nuevo cuño rebosante de elementos y estar provista de un porte ostensiblemente elevado, destacando del entorno urbano. Por otro lado, para que evoque una imagen de consistencia, debe, de alguna manera, por improbable que parezca, contener reminiscencias de metáforas significativas y ser un símbolo que encaje con el culto ortodoxo, lo que constituye una dura tarea en una sociedad secular-

Desde que el museo Guggenheim de Nueva York estrenó su silueta ondulante, esta parece ser el distintivo de los museos Guggenheim en el resto del mundo, así, se puede reconocer un estilo que emparentó el de Bilbao con el proyecto de Guadalajara. “Como marca de los Guggenheim” podríamos decir que va bien, y aun así, este nuevo “Estilo Arquitectónico” que se a empleado por el Arquitecto Frank Gehry en estos proyectos, para algunos es la nueva esencia de la “Arquitectura Mc Donalds”

Sin embargo con más del 50% de los trabajos realizados, el nuevo Museo Soumaya que se construye en la colonia Ampliación Granada, en el norte de la Ciudad de México, estará listo para el otoño del 2010. Y si la intención de LAR + Fernando Romero de crear un “Edificio Icónico” para Ciudad de México tiene éxito solo el tiempo lo dirá y esperemos ver como lo bautiza la población.

Publicado por:
Arq. Moises Berkman.

Buenos Aires es una ciudad con estilo

2009-09-26T02:33:00.001-05:00

En esta capital conviven los diversos estilos da la arquitectura , sobres las aceras de Avenida de Mayo o en los barrios de Pompeya, los años dorados de principios del siglo XX y las fachadas recicladas de la década de 1990. Los patios de la niñez de Borges, cuando Palermo era el fin de la cuidad, y los pasajes del siglo pasado aptos para el crimen o el amor, las esculturas de mármol, las torres de neón o los barrios de tango descritos por Gardel.

(Argentina)Buenos Aires

La ciudad de Buenos Aires ha sido desde siempre un puerto de intercambio; las múltiples fuentes de inspiración conjugada por diferentes culturas, junto con la reiterada tendencia local a la reelaboración, consolidaron en tan sólo cuatro siglos un apreciable conjunto de valores arquitectónicos, urbanos y paisajísticos.

Buenos Aires Cultural

Nostalgia por Buenos Aires

Nano Vent Skin proyecto de energias renobables

2009-09-23T01:39:00.005-05:00

El Arquitecto y Diseñador mexicano Agustín Otegui, con residencia en Londres, es el responsable del Diseño Industrialde para la Nano Vent- Skin (NVS), una piel para los edificios del futuro compuesta de micro-turbinas de viento y celdas fotovoltaicas.

El proyecto, en fase de investigación desde el año 2008, nace de la idea de que para generar energía eléctrica renovable no es necesario construir molinos de viento cada vez mayores o grandes instalaciones solares. Sino que se pueda crear una solucion mas flexible para utilizar en estructuras existentes, recubriéndolas con esta malla de micro turbinas, con el fin de minimizar el impacto ambiental de la producción energética.

"Sin embargo esta solucion puede llegar a proporciones inesperadas"

Este extraordinario nuevo concepto de energía alternativa, funciona con reservas de pequeña graduación en materiales de construcción y diseño de productos, operando de la manera siguiente.

El Nano Vent- Skin actuaría como la capa exterior de la estructura, la cual absorbería la luz solar a través de células fotovoltaicas, estas alimentarían de energía las nano-fibras interiores mediante una red de nano-cables.

Cada turbina generaría energía por reacciones químicas en los polos de la estructura. En esta malla, además, se iría acumulando el C02 ambiental que consumirían los microorganismos que forman las colonias de cada estructura.

Los microorganismos del sistema de bio-ingeniería que no han sido alterados genéticamente, actúan como una colonia donde cada elemento tiene una labor específica en esta sucesión simbiótica.

Estos microorganismos al absorber la luz solar como si se tratase de una piel orgánica fotovoltaica, la transfiere a las nano-fibras y luego la envía a las unidades de almacenamiento.

De esta forma la turbina del panel genera energía por reacciones químicas donde hace contacto con la estructura. El interior de la piel filtra el CO2 por medio de los mismos cuando el viento la atraviesa.

El Arquitecto Otegui incluso tiene el objetivo de que el sistema pueda auto repararse, cada conjunto tiene un sensor en cada esquina con una provisión de materiales, cuando una de las turbinas tiene un defecto o se rompe, una señal es mandada a través de los nano-cables hacia el sistema central (Cada grupo cuenta con un sensor en cada esquina con un depósito de material conteniendo microorganismos).

Así como un equipo de construcción independiente los microorganismos pueden ser enviados a través del tubo central para proporcionar la regeneración mediante un procedimiento de reparación y realizar un ensamblaje autosuficiente.

De esta forma la Nano Vent Skin de Agustín Otegui, pretende conseguir a través de la unión con biotecnología e ingeniería la creación de la malla de micro turbinas que se podría adaptar a cualquier construcción existente o implementar desde el diseño en construcciones nuevas.

Con este criterio se aprovecha al máximo la capacidad de espacio utilizable, y por medio de su composición modular, permite adaptar el sistema de la malla en cualquier tipo de superficie, sin ofrecer resistencia en estructuras complejas.

La Nano Vent Skin además de generar energía eléctrica, captar el C02 ambienta, la malla produce un efecto de transparencia hacia el exterior, la cual puede controlar la entrada de luz natural (mas luz o menos luz, cerrando o abriendo el entramado de la malla). Por otra parte este sistema contribuye a una buena posibilidad de ventilación natural para los espacios interiores.

Todo el mundo se está volviendo verde (o tratando de serlo). Porque es moda, porque es algo auténtico y porque no queda más remedio.

Parece que para ser más ecológico que nadie hay que construir un edificio colosal con el mayor aerogenerador del mundo o la mayor planta de energía solar o construir una nueva ciudad porque las existentes no sirven a este objetivo.

Sin embargo el Arquitecto Agustín Otegui ha pensado que hay que plantear soluciones en escalas más pequeñas. ¿Si pensáramos en adaptar los edificios y estructuras actuales a la generación de energía?

Con este criterio la Nano Vent Skin aprovecha al máxima la capacidad de espacio utilizable, la malla es capaz de ser adaptada a antiguas edificaciones, la composición modular admite adaptarla, en lugar de gastar recursos en otras construcciones nuevas.

Así se ha pensado en Nano-Vent la piel de micro turbinas eólicas que puede recubrir cualquier elemento estructural existente o nuevo, incluso se espera poder aplicar esta tecnología en túneles de metro o carreteras (aprovechando las corrientes de aire).

El proyecto parece estar a medio camino entre la utopía y la senda que aventuran ya algunos investigadores, aquellos que ligan el próximo salto que dará la humanidad a la fusión de la biología con la tecnología. Al parecer se acercan tiempos interesantes.

Publicado por:
Arq. Emilio R. Covelo.

Marcos Novak Maestro del Diseño Cibernetico y Transarquitectura

2009-09-17T18:56:00.007-05:00

El Arquitecto Marcos Novak (nació en 1957) siendo uno de los maestros en torno al Diseño y la Arquitectura virtual. Se le cataloga como un nómada global, un Diseñador cibernético, un artista teórico, y uno de los creadores del movimiento de transarquitectura en los 90's.

Sus proyectos, ensayos teóricos y entrevistas han sido traducidas a más de veinte idiomas y han sido publicados en más de 70 países.
Novak da conferencias, enseña y expone en todo el mundo. Su trabajo, que se basa en la arquitectura, el diseño, la música y la computación, que además está influido por el arte, la ciencia y la tecnología, desafía intencionalmente cualquier categorización.
Es reconocido universalmente como el pionero de la arquitectura en el ciberespacio, de la consideración crítica del espacio virtual como lugar arquitectónico y urbano, y del empleo de la composición generativa computacional en la arquitectura y el diseño.

Ha elaborado muchos conceptos ampliamente reconocidos, como" transvergencia", "transarquitectura", "transmodernidad", "arquitecturas líquidas", "música navegable", "cine habitable", "arquimúsica", "subversión"," alogénesis" y otros, anticipando muchos de los desarrollos del arte, de la arquitectura y de la música de derivación digital y de la búsqueda de la realidad alternativa, virtual, ampliada y mezclada.

Marcos Novak ha acuñado el término Transarquitectura para referirse a la arquitectura de la transmodernidad, en un intento por proveer una vía de discusión frente a la nueva condición cultural en que estamos inmersos y las posibilidades arquitectónicas que se presentan. "... El termino transarquitectura intenta comprender un complejo fenómeno cultural que se mueve en un campo electrónico de dominio publico concebido algorítmicamente, que es modelado y simulado numéricamente.

Un espacio construido mediante software, habitado interactivamente, usado para comunicación instantánea. Un espacio habitable dentro del cual estamos inmersos nosotros directamente o por concurso de nuestro avatar” (se denomina avatar a una representación gráfica, generalmente humana, que se asocia a un usuario para su identificación en un entorno virtual.)

Su ensayo "Architetture liquide nel cyberspazio" (Arquitecturas líquidas en el ciberespacio), traducido ya a las principales lenguas del mundo, ha sido incluido en diversas antologías de documentos críticos de la era digital junto a los escritos de personajes clave como Charles Babbage, Alan Turing, Marshall McLuhan y otros.

La arquitectura líquida en palabras del propio Arquitecto Marcos Novak:
“Es una arquitectura que respira, pulsa, salta en una forma y cae de otra. La arquitectura líquida es una arquitectura cuya forma es contingente al interés del usuario; una arquitectura que se abre para acogerme y se cierra para defenderme; una arquitectura sin puertas ni pasillos, donde la próxima habitación está siempre donde la necesito y es como la necesito”.

Su innovadora obra "Dancing With The Virtual Dervish: Worlds in Progress" (Bailando con el derviche virtual: mundos en curso), desarrollada en el Banff Center entre 1991 y 1994 en el ámbito del "Art and Virtual Environments Project" (Proyecto de Arte y Entornos Virtuales) comprendía los primeros ambientes sumergidos cuadridimensionales del mundo y exploraba y permitía la navegación a través de los espacios utilizando cuatro dimensiones espaciales, usándose con el tiempo como bastidor dimensión.

Su actual investigación se centra en las nano y biotecnologías y explora la hipótesis de que nos encontramos en una fase cultural caracterizada por la "producción de lo ajeno", sobre la base de un paralelismo con el concepto renacentista de "producción del hombre".
En 2008, "Trasmettere l’architettura" (Transmitir la arquitectura), el título de su ensayo de 1995, se convirtió en el tema del XXIII Congreso mundial de la UIA (Unión Internacional de Arquitectos), la principal organización de arquitectura del mundo.

Ha participado en muchas exposiciones internacionales en museos y galerías de todo el mundo, incluida la IX Exposición Internacional de Arquitectura de la Bienal de Venecia en el 2004 y la VII Exposición Internacional de Arquitectura de la Bienal de Venecia en el 2000, en representación de Grecia.

En homenaje al papel central que ha tenido y continua teniendo en la aceptación, integración y desarrollo de lo digital en la arquitectura avanzada, en el ámbito de "DigitalReal", una importante exposición internacional de arquitectura acogida por el DAM (Deutsches Architektur Museum, Frankfurt, Alemania) ha sido invitado a escribir "Liquid, Trans-, Invisible: The Ascent and Speciation of the Digital in Architecture. A Story". Esta publicación considera; una cronología combinada histórico/biográfica de la ascensión de lo digital en la arquitectura y del papel interpretado por el mismo en este fenómeno.

Es profesor en la Universidad de California, en Santa Barbara, donde es miembro de CNSI (the California NanoSystems Institute), MAT (Media Art and Technology), y Art. Ha dado nombre al UCSB AlloSphere (la esfera de tres plantas para la creación de entornos virtuales sumergidos, la más grande de entre estas estructuras propuestas en origen por el Dr. Kuchera-Morin) y ha realizado su primer proyecto, el AlloBrain, utilizando barridos fMRI de su propio cerebro. Es director del transLAB del UCSB. En 2004, tuvo el honor de convertirse en miembro del World Technology Network.

EL Museo Guggenheim de Bilbao proyecto del Arquitecto Frank Gehry, parecería responder en mayor medida con los tipos simbióticos que responde a interpretaciones liquidas y transitorias asociadas a la cultura de medios, logradas por las transformaciones morfológicas del medio digital.

En la materialidad el uso de acero inoxidable permite que las formas que desafíen a la Gravedad 3 el medio digital como ambiente exclusivo donde se concreta el espacio proyectado. En esta inspiración de Frank Gehry emplea los conceptos básicos del ensayo realizado por Marcos Novak “Arquitectura liquida en el ciberespacio”

En realidad los estudios y ensayos de Marcos Novak, han sembrado conceptos importantes para influir en renombrados Arquitectos de la actualidad, como Zaha Hadid, David Fisher, Santiago Calatrava, entre otros.

Las aportaciones de Novak, también han proporcionado el cambio que entrelaza; el Diseño, la Arquitectura y la Ingeniería, con los nuevas interpretaciones que se usan en el proyecto, las presentaciones, el análisis estructural grafico, y todas las técnicas ligadas en este “ Mundo Cibernético”, ¡del cual ya no podemos prescindir!

Publicado por:
Arq. Emilio R. Covelo

The Interlace complejo residencial de OMA en Singapur

2009-09-11T04:57:00.005-05:00

The Interlace, plantea un conjunto de edificios entrelazados para vivienda residencial en Singapur. Con el objetivo de ser un desarrollo que aporte un mantenimiento importante de la ecología, pretende conservar las áreas verdes que se encuentran en la zona ubicándolas en las plantas superiores de cada edificio.

Diseñado por "Office for Metropolitan Architecture" (OMA), “The Interlace” está ubicado en el cinturón verde fuera de la ciudad al sur de Singapur, en Gillman Heights, entre Alexandra Road y the Ayer Rajah Expressway, una zona de nuevo desarrollo en la ciudad, alejada del centro tan densamente poblado.

En un área aproximada de 170,000 m2, está previsto desarrollar una urbanización residencial para 1,040 apartamentos, con amplios espacios al aire libre, y un cinturón verde alrededor, pero con la particularidad de que se rompe con la organización típica en bloques aislados.

El desarrollo consiste en 31 bloques de apartamentos apilados, cada uno de seis pisos de altura e idénticos en longitud dando como resultado, en los 170,000 metros cuadrados de superficie que se logran desarrollar 1,040 apartamentos. El tamaño de los mismos va desde los 75 a los 586 metros cuadrados con los que cuentan los áticos dúplex, mismos que incorporan una agradable terraza ajardinada.

En “The Interlace”, cada bloque de viviendas es un puente que hace que estos se unan entre si, y los puntos de apoyo entre unos y otros se realizan siempre por el mismo lugar, de tal manera que van formando grandes espacios hexagonales, con amplias zonas comunes en su interior donde se ubican amenities residenciales contando con cascadas, piscinas y lagos artificiales.

Este concepto crea seis orientaciones diferentes de bloques y una altura máxima alcanzada de 24 plantas (6 x 4 niveles). Cada uno de los bloques cuenta con un área completa de techo ajardinada, para que disfruten los habitantes de la comunidad, que junto a los jardines dispuestos en planta baja, hace que “The Interlace” reponga a la naturaleza la parte verde que le quita con su construcción.

Lo interesante de la estrategia usada por OMA es la densidad lograda, mientras el proyecto es capaz de mantener la privacidad de los departamentos por el distanciamiento que se crea con esta disposición, así como las vistas y la iluminación natural que conservan individualmente.

Otro resultado de esta estrategia de apilamiento, son todos los espacios comunes que aparecen tanto a nivel de suelo como en las cubiertas de estos bloques. Al ver el proyecto en planta, se distinguen una serie de patios con equipamiento para la comunidad. De esta manera la propuesta de OMA se vuelve una comunidad vertical, que se aparta de la típica torre.

Según OMA, este diseño incorporó varias soluciones bioclimaticas, tomando en cuenta las necesidades de asoleamiento y comportamiento de los vientos. Logrando la aportación de un micro clima interior, que conserva las temperaturas con mejor calidad que en el exterior del conjunto.
Además se pretenden implantar tecnologías con estrategias de energías pasivas para lograr un bajo impacto de consumo.

"The Interlace" es un proyecto creado por “Office for Metropolitan Architecture” (OMA), esta dirigido en esta ocasión por el socio Ole Scheeren con la colaboración de Eric Chang.
Schereen responsable del trabajo de la oficina para Asia, es uno de los socios de OMA que está a cargo del edificio de la CCTV y ya ha tenido experiencia en Singapur, en el diseño de la Torre Scotts, otro singular diseño de OMA.

Algo que nos llama la atención en el proyecto de "The Interlace" es como llevaran a cabo la solución de aislamiento de humedad, debido a que en este tipo de proyectos, en los que se cuenta con tan amplias zonas ajardinadas “en las áreas de techo”, es indudable que se requieren aislamientos importantes, para evitar la penetración del agua de lluvia y riego, así como las raíces de la vegetación que se incorpore en estas áreas.

¡Cuestiones que suelen dar problemas constantes!
(Sobre todo en una zona climática como Singapur).

Publicado por:
Arq. Emilio R. Covelo.

La nueva torre de Londres The Shard.

2009-09-06T04:07:00.006-05:00

The Shard London Bridge Tower, se convertirá en uno de los rascacielos más altos para Europa Occidental, y el más alto de todo el Reino Unido. Esta obra ya forma parte de los interesantes proyectos del estudio internacional de arquitectura Renzo Piano Building Workshop, creado por el Arquitecto italiano y autor también de la sede de la Academia de las Ciencias de San Francisco entre otras.

El diseño de Renzo Piano será un valor añadido para el panorama de Londres.
Según el arquitecto Piano, el diseño del edificio esta inspirado en las agujas de las torres de las iglesias y en los mástiles de los barcos que antiguamente anclaban en el Río Támesis. Nombrado por el mismo Piano como un "The shard of glass".

La ubicación para “The Shard London Bridge Tower”, se sitúa en el 32 de London Bridge, donde ahora están las torres Southwark, para liberar el emplazamiento del proyecto ha tenido que ser demolida la “Saouthwark Toser”, construida en los años 70 en Bridge Street.

La Torre también llamada“The Shard” adyacente a la estación London Bridge, forma parte de un nuevo proyecto urbano, ideado para esta zona en la ciudad de Londres. De nombre London Bridge Quarter, este reordenamiento urbano, esta ubicado en el centro del distrito del Puente de Londres, junto a la Estación (London Bridge Station), una de las estaciones de ferrocarril más importantes y concurridas de la ciudad.

Con 310 metros de altura y 87 plantas contiene espacio para; oficinas, un hotel internacional, residencias de lujo, un spa, tiendas, restaurantes y cafeterías, espacio de retail, con un mirador público de 12 plantas, en la parte superior.

Este remate forma parte del uso del edificio como galería-mirador, en donde se apreciaran las mejores vistas de Londres. Además de esta función, el remate (spire) fue diseñado a modo de capitel para lograr un intercambio térmico de todo el edificio y que irá desde la planta 75 hasta la 87.

El “The Shard London Bridge Tower”, contará hasta su planta 75 con diferentes usos, la mayor superficie estará destinada a oficinas (casi 55000 m2), para un Hotel Shangri-La serán 16000m2, el uso residencial se llevará casi 6000m2, y el resto (5700m2) serán para galerías de tiendas, restaurantes y áreas de uso publico.

Los accesos serán además independientes pues habrá uno para hotel y apartamentos, otro para las oficinas, y un tercero para acceder a las áreas públicas del rascacielos. Por eso, este edificio cuenta con una red vertical de comunicación muy diferenciada.

“The Shard” en la planta baja mantiene una plaza pública con restaurantes, cafeterías, tiendas, espacios para descansar e instalaciones para arte itinerante. El lugar se comunica directamente con el acceso al transporte público de autobús urbano, ferrocarril y metro. Para liberar el emplazamiento del proyecto ha tenido que ser demolida la “Saouthwark Toser”, construida en los años 70 en Bridge Street.

Renzo Piano concibió “The Shard” como una ciudad vertical de uso mixto y denso desarrollo, abierta y accesible al público y con un acabado suficientemente lujoso, exclusivo y centralizado para alojar compañías y residentes. El grupo hotelero Shangri-La ya ha reservado espacio para el hotel entre las plantas 34 y 52.

Los espacios para oficinas son similares a los creados por Piano para su rascacielos Aurora Place en Sidney, Australia. Cada planta es multifuncional y contiene dos jardines de invierno, con ventilación natural y espacios intermedios rodeados de cristal para permitir fantásticas vistas de la ciudad y el paso de la luz.

Especial atención, nos provoca el diseño de los apartamentos, con un programa y distribución muy a tono con el edificio, donde destaca el salón a doble altura, con gimnasio, spa, y jardines.

Toda la fachada de “The Shard” se revestirá con un tipo de vidrio que tiene un bajo contenido de hierro, lo que significa que es completamente claro, en lugar del típico tinte verdoso que se puede ver en la arquitectura de vidrio. Esto hará que el rascacielos brille más y tome diferentes tonalidades a lo largo del día, según R. Piano.

La empresa KONE será la encargada de suministrar los ascensores y escaleras para el edificio Shard London Bridge, Reino Unido. El pedido está formado por el suministro e instalación de 36 ascensores y 10 escaleras incluyendo 13 ascensores de doble cabina. Impulsado por la energía eficiente del motor KONE EcoDisc® , los ascensores de doble cabina consisten en 2 cabinas elevadores en un mismo hueco de ascensor, uno encima del otro. Esta tecnología consigue una reducción considerable de espacio y consigue un mejor tráfico de personas para edificios de gran altura.

La estructura está cubierta con varios cerramientos de paneles de vidrio que se estrechan hasta formar una punta en la parte más alta, sin llegar a tocarse. El concepto planeamiento irregular ha sido generado para el mayor aprovechamiento de la energía solar; la abertura de la cumbre permite al edificio respirar de forma natural. Con sus 310 metros de altura la torre seguramente se convertirá en el faro de la ciudad y un centro vital y fortalecido para el comercio y el transporte.

"The Shard London Bridge Tower", sera la nueva torre de Londres y promete ser el proyecto más emblemático de los 40 años de profesión de Renzo Piano, no sólo va a ser uno de los edificios más altos de Europa sino que también será uno de los más avanzados tecnológicamente. El rascacielo tiene previsto completarse en 2012.

Publicado por:
Arq. Emilio R. Covelo.

CURIOSIDADES

2009-09-04T20:20:00.001-05:00

LA PERSONA ESTÁ LISTA PARA ENTRAR AL BAÑO PUBLICO!!
(Esta es una foto de un baño público en Houston)

Ahora que has visto la apariencia externa,
mira la vista interior....

Está hecho completamente de vidrio one-way!

Nadie puede verte desde afuera, pero cuando
estás dentro es como sentarte en una caja de vidrio
transparente!
Entonces, lo harías???... PODRÍAS USARLO....???

BAÑO CON EL PISO PINTADO!!!

IMAGINA QUE ESTÁS EN UNA FIESTA.
Décimo piso en un alto edificio......

Y ENTONCES TIENES QUE HACER UNA VISITA AL BAÑO....

Abres la puerta...
RECUERDA QUE EL PISO ES SÓLO UN PISO PINTADO!

COMO QUE TE QUITA EL ALIENTO.....
NO ES ASÍ?

ESTO ES UN MURAL EN EL TECHO
DE UNA SALA PARA FUMADORES!!!

¿ Después de ver esto fumarias tu cigarro…????

Diller Scofidio + Renfro, Museo de la Imagen y el Sonido en Rio

2009-08-30T01:14:00.006-05:00

El proyecto del estudio neoyorquino de arquitectura, Diller Scofidio + Renfro, en este mes de Agosto de 2009, ganó el concurso organizado por las autoridades de Río de Janeiro, Brasil, para el nuevo Museo de la Imagen y el Sonido (MIS) en la tradicional playa de Copacabana.

Anunciado en la pasada segunda-feira 10, por el gobernador de Río (Sérgio Cabral), el proyecto fue escogido para dar forma al nuevo predio que albergara el MIS (Museu da Imagem e do Som), do Río de Janeiro.

Este proyecto forma parte del nuevo plan de desarrollo urbano, para recuperar la zona antigua de Copacabana hacia una nueva imagen. Hoy en día, el espacio está ocupado por un club nocturno de vicios (club amarillo Help), y un restaurante.

Otra de las intenciones es concentrar en un solo espacio con tecnología punta, las instalaciones de los diferentes espacios, dedicados a la conservación y estudio del patrimonio visual y sonoro de Brasil, que hasta ahora se encuentran dispersos en diferentes puntos de la ciudad.

El diseño del museo no fue una tarea fácil, tenia que ser concebido como un objeto de singular volumetría tomando en cuenta: la extensión del paisaje con la Avenida Atlántica de la playa de Copacabana y la proximidad de este espacio con algunas de las piezas arquitectónicas más importantes de la arquitectura brasileña: el Museo de Arte moderno del arquitecto Affonse Eduardo Reidy y el Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi del maestro Niemeyer y tercero porque Brasil es uno de los países en donde se desarrollan algunos de los eventos de arte contemporáneo de mayor relevancia internacional, tal es el caso de la Bienal de Arte de Sao Paulo, la segunda más importante que se lleva a cabo actualmente.

Los ganadores, el estudio de Arquitectura Diller Scofidio + Renfro, con sede en la Ciudad de Nueva York, esta fundado por Elizabeth Diller y Ricardo Scofidio. Los trabajos de esta firma son desarrollados principalmente bajo el concepto de interdisciplinariedad. Además de su trabajo arquitectónico, y de crítica de Arquitectura, eventualmente desarrollan piezas artísticas como: instalaciones, videos y arte digital.

La solución arquitectónica que presento el despacho Estadounidense, propone esta estructura como una extensión de la Avenida Atlántica, que poco a poco se eleva a partir de una serie de rampas (siete en total) que atraviesan los espacios interiores y exteriores y que rematan con una espectacular sala de proyecciones al aire libre, ubicada en el último piso del edificio.

Aparte de un centro de documentación de alta tecnología, el proyecto ofrece un auditorio para 300 personas, teatro en la terraza superior al aire libre, piano bar, biblioteca y un club del tipo de presentaciones años 50/60 de la bossa-nova y samba (canción en el estilo de Copacabana que existía en los años 50 y 60)

Aunque la intención de Diller Scofidio + Renfro es presentar al Museo de Imagen y Sonido como una extensión del bulevar, la solución arquitectónica, de rampas que entran y salen a lo largo del edificio, explora además nuevas relaciones formales entre los edificios y el espacio público.

En el interior continuando con el concepto de las rampas, puede considerarse como una progresión que sucede a los espacios externos, o bien, como una señal de transición de sus propios usos: galerías, aulas, bares, restaurante y sala de proyecciones al aire libre; de manera que el edificio enfrenta al espectador con una experiencia múltiple, en la que el espacio del museo se relaciona plenamente con el paisaje de Copacabana.

La altura del edificio se define de acuerdo a la que mantiene su contorno urbano, adecuando sus necesidades en niveles subterraneos por debajo del nivel de la avenida. El recurso de las transparencias aplicado en la fachada a partir de grandes superficies acristaladas y celosías, permite además, que el museo funcione como una especie de mirador desde el que los habitantes -para quienes generalmente está restringido el acceso a ciertas zonas- puedan observar libremente hacia los diversos hoteles y playas privadas que se encuentran en esta famosa ciudad.

La capacidad de las superficies de concreto, como valor arquitectónico, también adquiere en el Museo de Imagen y sonido una gran relevancia ya que funciona como contrapunto de los elementos acristalados que reflejan el paisaje y muestran el interior.

Su construcción contempla una inversión de R$ 65 millones. El Comienzo de los trabajos se programa para 2010, pensando en el pronóstico de inauguración en 2012. Por sus características, seguramente se convertirá en uno más de los atractivos turísticos y de difusión cultural, más importantes para disfrutar en la ciudad Carioca.

El concurso pr invitacion estuvo restringido a 7 oficinas, entre los que se encuentran; por supuesto Diller Scofidio + Renfro los ganadores del concurso, los locales Bernardes & Jacobsen, junto a las oficinas paulistas de Isay Weinfeld, Brasil Arquitetura y Tacoa Arquitectos. En el lado internacional estuvieron invitados los norteamericanos Daniel Libeskind y el japonés Shigeru Ban.

-Brasil Arquitetura

-Isay Weinfeld

-Shigeru Ban

-Tacoa Arquitetos

-Bernardes & Jacobsen

-Daniel Libeskind

Los museos son una de las tipologías arquitectónicas más representativas de las ciudades modernas. Estos espacios por lo general se convierten en íconos asociados a la exaltación de la identidad y los valores colectivos en la definición del paisaje urbano.

Considerando que Brasil es uno de los territorios de mayor relevancia para la difusión del arte contemporáneo y que el legado arquitectónico brasileño más importante está representado justamente por los museos (muchos de ellos diseñados por el afamado arquitecto Oscar Niemeyer). Este espacio tenía que proponerse como una estructura excepcional que pudiera estar al nivel de los grandes espacios museísticos del periodo moderno, por lo cual en Arquitectura Quantumm estamos de acuerdo con la selección por parte de las autoridades de Rio.

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

Conceptos ergonomicos aplicados a la silla de oficina

2009-08-28T23:58:00.001-05:00

El buen diseño de una silla no contempla solamente el aspecto estético, en términos generales son mucho más importantes sus características ergonómicas. Estas deben contener la funcionalidad integrada para lo que el producto es realizado.

El dolor de espalda y las malformaciones en la columna son una de las causas más frecuentes de visitas al médico, y de cirugías. La mayoría de estos problemas no se deben a caídas, si no más bien a un daño lento y prolongado, por una mala posición.

Es por eso que la adquisición de una silla ergonómica lejos de ser un gasto será una inversión, ya que el cuidado de la salud no tiene precio.

Las personas que realizamos un trabajo de oficina pasamos más de media vida sentados en una silla. Una media de 7 a 8 horas al dia. El dolor de espalda es el problema de salud más caro para los adultos que trabajan. Se observaron 40 empleados de oficina durante 160 horas, 93% del tiempo trabajaban sentados. Debido al uso masivo de computadoras permanecemos sentados más que nunca antes en la historia.

Como consecuencia, aproximadamente el 85% de los empleados de oficinas experimentan complicaciones de espalda a los 50 años en forma recurrente. La mayoría de los dolores de espalda no se deben a caídas, sino que son la culminación del daño lento y constante causado a lo largo del tiempo por una posición sedentaria y artificial prolongada, empeoradas por el uso de las sillas de oficina comunes.

Se cree que las causas físicas de las molestias en la espalda provienen de los siguientes factores:

-Estar sentados en forma sostenida y prolongada en una postura no natural. Mantener una postura por largo tiempo reduce la circulación sanguínea y disminuye los nutrientes.

-Las posturas inconvenientes o no neutras de la espina dorsal pueden causar alargamiento y desgarre de músculos y ligamentos.

-Compresión. La demasiada carga sobre los discos por peso extra no necesario puede conducir a la fractura de los mismos.

-Contracturas localizadas. La presión sobre el área dorsal y las piernas puede afectar la circulación sanguínea en la parte inferior del cuerpo.

Pregúntese cómo se siente al final de su jornada laboral. ¿Está exhausta y malhumorado o todavía se siente fresco y con vigor? El buen equipamiento ergonómico causa una gran diferencia.

La ergonomía es una rama del diseño industrial que debe estudiar la influencia de las condiciones de trabajo en la productividad. De ahí que se la aplique al diseño de productos y equipamiento, principalmente del lugar de trabajo, con el objetivo de maximizar la productividad al reducir la fatiga, el estrés y la incomodidad.

Es una de las ramas de mayor crecimiento en el campo laboral. Espero que este artículo nos lleve a reflexionar sobre la necesidad de invertir algo de tiempo (tanto a los usuarios como a los diseñadores) en la mejora de nuestro espacio de trabajo, en cuanto a ergonomia se refiere.

Invertir en una buena silla, ergonómica y confortable, que le ofrezca un buen respaldo a su espalda y soporte a sus piernas puede ser el paso más importante para crear un ambiente de trabajo sano y productivo.

Estar todo el día sentados, muchas veces escribiendo frente a la computadora, puede causar severos problemas de columna, síndrome de túnel carpiano, dolor de cuello y espalda, jaquecas constantes y otros problemas relacionados con la salud.

Debido a la continua investigación en este sector, las empresas fabricantes de equipamiento de oficina se enfocan cada vez más en brindar un diseño que refleje correctamente los avances en ergonomía.

Las buenas sillas ergonómicas no siempre son económicas, pero piense que es su salud lo que está en juego. Si su presupuesto es ajustado, piense en conseguir una buena silla usada en vez de una nueva que no es ergonómica.

Si damos una mirada a los locales de venta de equipamiento de oficina verá que muchos ofrecen productos supuestamente “ergonómicos”, pero no todos lo son.

Estas son las características Básicas de una Buena Silla Ergonómica:

-Verdadero soporte lumbar: muchas sillas “económicas” dicen que tiene soporte lumbar, pero el verdadero soporte lumbar es algo más que tener un acolchado, es el que mantiene la curvatura natural del hueco que se produce en la espalda.

-Suave curvatura en cascada: el borde de la silla alivia la presión sobre los vasos sanguíneos de los muslos y previene el entumecimiento de las piernas, los pies fríos y las venas varicosas. El borde delantero del asiento debe inclinarse suavemente hacia abajo y no debe presionar su muslo.

-Acolchado: Menos es más. La gente se equivoca al comprar sillas demasiado acolchadas, con el tiempo, el acolchado excesivo se adaptará a la mala postura de su espalda.

-Movilidad: la silla debe poder deslizarse sin esfuerzo para permitirle al cuerpo hacer movimientos de relax.

-Apoya brazos: La silla y no la parte superior de su espalda, debe soportar el peso de los brazos mientras trabaja.

-Profundidad: Una silla muy profunda para una persona pequeña puede resultar incómoda, de igual manera una silla muy corta para una persona de estatura alta. Cuando está sentada con la espalda bien apoyada, debería haber suficiente espacio entre el borde de la silla y su rodilla para que quepa un puño cerrado.

-Altura: Asegúrese que la silla es suficientemente alta, o cuente con ajuste de altura, para que sus muslos formen un ángulo de 90° con el piso.

-Apoya pies: Considere tener un apoya pies si la silla es demasiado alta. Tener los pies apoyados le ayudará a restablecen la curva natural de su espalda y mantener buena circulación sanguínea.

Publicado por:

D.G. Marcela Arriaga.

Diseñada por el Arquitecto Ole Scheeren de OMA

2009-08-24T11:23:00.007-05:00

La Torre MahaNakhon se comenzara a construir en el centro de Bangkok, a partir de Octubre de este año 2009, en Tailandia. El proyecto fue realizado por el Arquitecto Ole Scheeren, socio de OMA (Office for Metropolitan Architecture) de Rem Koolhaas. El rascacielos de 77 plantas será el edificio más alto de Bangkok, con 310 metros de altura.

La enorme presencia de esta torre, cambiará de manera espectacular la silueta de la capital de Tailandia, y ayudará a conectar y dinamizar los alrededores de la misma, en vez de crear conflictos, dada su ubicación en la zona centro de la ciudad. La idea es manejar una conexión dinámica entre los espacios intermedios de uso público de la torre principal hacia los pequeños edificios auxiliares que compondrán el conjunto.

El complejo multifuncional de 150,000 m2 está formado por una serie de componentes que abarcan la manzana MahaNakhon, conformando:
-Una plaza pública ajardinada, destinada a ser un nuevo espacio para la ciudad;
-Las terrazas de MahaNakhon, con 10,000 m2 de espacio de retail de lujo, de exuberantes jardines y terrazas que se extienden sobre múltiples niveles, contienen restaurantes, cafeterías y un supermercado de 24 horas.
-Las residencias del Ritz-Carlton de Bangkok, con 200 viviendas altamente personalizables, de una planta o dúplex, así como 150 habitaciones de hotel, colaboración entre Marriot Internacional y el famoso servicio hotelero Ian Schrager.
-Aticos multi-nivel que albergan bar y restaurantes panorámicos.

Con su distintiva apariencia, la Torre MahaNakhon ha sido cuidadosamente cincelada, incrustándole un espiral tridimensional de diseño arquitectónicos que circunvalan toda la altura de la torre, como si se eliminaran porciones de los paneles del muro de vidrio, para mostrar el interior del edificio y la arquitectura que encierra y protege a sus habitantes.

El diseño de la espiral en la fachada, rompe su continuidad y brinda al edificio espacios abiertos en altura, además de un aspecto cambiante en cada planta. Para posibilita la ubicación de terrazas y balcones, con ambientaciones y vistas privilegiadas.

Lo que el Arquitecto Scheeren pretende reflejar en su diseño es “la constante lucha entre la civilización y la naturaleza” en una ciudad tropical propiamente dicha.
Según Scheeren: el nombre completo de la torre es; “Krung Thep Maha Nakhon”, que significa “Bangkok Metropolis”. Este gran nombre de la torre MahaNakhon, quiere expresar la ambición del proyecto que se une al centro metropolitano de la ciudad.

Otro de los conceptos creativos que se aplica en las características principales, es el plenamente operativo (multifuncional balcón ventana) que permite que el muro de cristal, pueda abrirse completamente en la fachada.

Este concepto esta previsto para las unidades más pequeñas, proporcionando mayor luz y ventilación, integrándose al exterior en la sala como un balcón. La fluidez guía la pauta y los volúmenes son aliados del espacio.

A nivel del suelo el espacio de siete plantas de la base de la torre, con su diseño, trata de reinventar la arquitectura, para la creación de “un valle” construido por el hombre. Con terrazas interiores y exteriores en múltiples niveles, que ofrecen una red de espacios sociales con una mezcla extensa y cuidadosamente seleccionada de retail de lujo.

Es en esta área donde se encuentran las zonas de restaurantes, cafés, locales comerciales, y la creación de un acceso para la vía peatonal elevada que une la principal estación CBD de tren elevado (skytrain) con el acceso al nivel de la plaza.

Todo ello, parece aludir a una metrópoli para unificar la economía y la cultura, proporcionando el lugar donde se llevan a cabo la mayoría de las relaciones. Quizá por ello ahí se abre la plaza pública lo mismo que se conecta con la calle y la ciudad.
El proyecto también incluye un cercano edificio de siete plantas, conocido como "El Cubo", el cual se integra de la misma manera en este nivel.

La pieza central se expone con su elaborado diseño, cuya altura pareciera querer llegar al cielo. Con sus 1,017 pies pasará a ser la estructura más alta en Bangkok. Sin embargo, para los tenaces creadores nada es imposible ni suficiente y ello se manifiesta en la sección espiral que bordea la torre como trepando por ella. Esta especie de enredadera casi fantástica sube hasta lo alto del edificio abriendo a su paso las terrazas.

Sin duda, un proyecto ambicioso que hará de la torre MahaNakhon una ciudad en sí misma, donde no hay formas preconcebidas, sino continuidad de espacios que se combinan con la destreza del arte mostrando una compleja arquitectura moderna.
El edificio tiene previsto iniciar su construcción en Octubre de este año, para completarse en 2012.

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

Anara Tower Dubái

2009-08-16T22:53:00.006-05:00

Anara Tower es el nuevo rascacielos futurista que se sumara al increíble skyline de Dubái, en los Emiratos Árabes.
Una vez más podemos confirmar que Dubai es una de la ciudades del mundo en dónde mas se está construyendo (por el momento), sin importar la crisis económica y financiera mundial.

Sin embargo, con todos los excesos, demostraciones de riqueza y derroches, que se han dado cita en Dubai estos últimos años (La primera isla artificial con forma de palmera, el único hotel de seis estrellas, el hipódromo más grande de la región, y el nuevo rascacielos de lujo Anara Tower...)

Con un millón y medio de habitantes, el emirato semi independiente de los Emiratos Árabes Unidos, no solo era el centro financiero más pujante hasta hace un año, también era un destino turístico de lujo y una ciudad en crecimiento constante.

Pero con la llegada de la recesión global, todo ha cambiado.
Los precios, que aumentaron drásticamente en Dubai durante los últimos seis años de auge, se han reducido un 30% en los últimos tres meses, al igual que los de las viviendas.

Según un estudio de UBS, la población de Dubai decrecerá un 8% durante el 2009, debido al decrecimiento en la construcción. Y es que cientos de edificios permanecen ahora vacíos ante el desplome del turismo, las inversiones y la fuga de capitales.

Varios funcionarios anónimos del gobierno informaban recientemente a New York Times que en Dubai se estaban cancelando 1.500 visas de trabajo diarias. Hasta 3.000 coches de lujo abandonados se quedaron en el aeropuerto de la ciudad...

Muchos jóvenes emprendedores del mundo de las finanzas han hecho ya las maletas de vuelta a su casa, cuando tan solo hace menos de dos años, acudían a trabajar a un destino prometedor, un centro financiero regional que servía de soporte financiero a ciudades como Abhu Dhabi o Qatar, más centradas en la explotación y gestión petrolera.

Ahora el turismo de lujo, la construcción y las finanzas, principales fuentes de riqueza están totalmente estancados.

El sueldo de un ingeniero, trabajo muy solicitado en la ciudad en los últimos años, eran unos 15.000 dirhams al mes. Ahora, la cantidad máxima que podrá obtener es 8000, que son alrededor de $2.000.

Lo que más se comenta en las oficinas y calles de esta ciudad es:
"Antes, por lo que muchos estábamos viviendo aquí, era la buena vida. Ahora no podemos ni pagar nuestros préstamos"

El gobierno de Los EAU no parece estar tomando medidas demasiado importantes. Para empezar no ha publicado datos porque según ellos dañarían la imagen del emirato, y las únicas ayudas han ido destinadas a la banca.

¿Volverá a ser Dubai una ciudad prometedora que siga atrayendo inversores y turistas de lujo al mismo nivel de antes? Por el momento la construcción de islas artificiales y las mega construcciones como la Anara Tower siguen adelante.. pero lo cierto es que después de esta crisis probablemente Dubai ya no será lo que prometía ser.

En esta parte del mundo se han construido verdaderas obras de ingeniería con alta tecnología. Esta vez se planea construir la Torre Anara que definitivamente por su diseño y complejidad estructural nos vuelve a asombrar.

Su promotor es la firma Emiratí Tameer. El diseño es obra de la firma británica Atkins, que anteriormente había conseguido los proyectos de otros edificios en Dubai “la torre verde” de 400 metros Lighthouse e “Iris Bay”, un proyecto de menores dimensiones pero que no deja de ser interesante.

La Anara Tower tendrá 125 plantas y alcanzará una altura aproximada de 700 metros.
El edificio multi-usos contará con 300 apartamentos cuyo precio será realmente exorbitante, uno de ellos será el apartamento que previsiblemente se convertirá en el más caro de la ciudad de Dubai, con piscina propia en altura y un ascensor exclusivo para dicho apartamento.

El proyecto también contempla en el mismo edificio un hotel con 250 habitaciones de lujo, áreas de oficinas incluyendo la sede de la promotora Tameer, tiendas, una galería de arte para exhibiciones y subastas.

Una de las grandes ideas creativas es el desarrollo de zonas ajardinadas que se ubicaran cada 27 pisos, proporcionando a los habitantes espacios públicos de relajación y distracción sin salir de la torre, mismos que conectaran diferentes actividades del inmueble. Dichos jardines se ubicarán sobre una gran plataforma que unirá ambos núcleos de la torre alrededor del eje, participando también como elementos estructurales para estabilizar los dos cuerpos.

La torre emergerá sobre un podio o atrio de desplante, que funciona como vestíbulo principal, del que parte la estructura que se elevará en dos cuerpos, estos unidos en el centro por un gran eje de cristal, donde se ubican los servicios para el proyecto, como el área de ascensores.

Para la Anara Tower se contemplo un remate visual y estructural de gandes proporciones y atractivos, estará coronada por un gran vació circular, en el centro del cual se ubicará una cápsula acristalada sostenida por 3 brazos.

Dicha cápsula contendrá, como ya hemos comentado, un restaurante de máximo lujo y que da el aspecto de ser una gran turbina eólica, el propulsor no rota solo es un remate de diseño, así que no habrá problemas en disfrutar del menú y de la impresionante vista a unos 2000 pies de altura, con vistas panorámicas sobre la Sheik Zayed Road, la avenida más importante de Dubai.

La torre no superará al Burj Dubai, pero será sin duda uno de los edificios protagonistas del recargado skyline de Dubai, así como el mayor proyecto del estudio de arquitectura Atkins. La construcción del edificio debe comenzar a finales de este año, ¡claro! siempre y cuando no haya sorpresas.

Publicado por:

Arq.Emilio R. Covelo.

Castillo Grafenegg, una fusion de dos estilos antitéticos.

2009-08-09T02:54:00.011-05:00

El Castillo Grafenegg, en Austria y su ambiente arquitectónico cultural, Es una imponente estructura, próxima a la ciudad de Viena, Austria, construida en el siglo XIV forma parte de un parque, el cual nos invita a un viaje a través de una serie de escenas pintorescas. Los trucos visuales (el landscape gardening) aplicados en el diseño del parque provocan que la vista se mueva de un lado a otro, y que el castillo, en ocasiones desaparezca detrás de un muro verde de exótica vegetación.

La región, situada en la baja Austria y cercana a Viena, está bañada por el Danubio. El agua, la vegetación y los edificios de una zona esencialmente vinícola le otorgan un encanto muy especial. El castillo de Grafenegg domina todo el contexto. Pertenece a la familia de aristócratas Metternich-Tassilo los mismos que se encargan del mantenimiento y administración del fortín.

El castillo Grafenegg, es uno de los recintos históricos más importantes de Austria, ya que en él es posible encontrar vestigios artísticos y arquitectónicos que van desde el periodo gótico, el barroco e incluso del periodo contemporáneo.

La estructura del castillo con su imponente torre, sus magnificas fachadas, sus elegantes escaleras y su atractiva capilla, lo han convertido en uno de los emblemas arquitectónicos más importantes en Austria. Como muchos de los grandes castillos europeos, éste a lo largo del tiempo, ha sufrido diversas modificaciones, la primera más importante, fue la ampliación que se hiciera en el siglo XIX.

Así también, el castillo Grafenegg, se ha convertido desde hace casi cuarenta años en uno de los escenarios artísticos más importantes del lugar.
Tanto su arquitectura como su programa cultural, atraen desde entonces a miles de turistas cada año. ¡Es una idea original en Austria! Crear una atmósfera distinta (naturaleza, arquitectura y música).

Sin embargo, el “contraste” entre el viejo castillo y dos nuevos proyectos enclavados en su contexto para albergar a un público en busca de la música y el arte, son en especial los atractivos más actuales.
Son dos salas de concierto, el Wolkenturm o The Cloud Tower (Torre de nubes) y el Auditórium (sala de conciertos). Estas nuevas construcciones son una muestra de la condición permanente de ciertos mecanismos derivados de la modernidad y su puesta en marcha a partir de nociones antitéticas.

Los planteamientos teóricos de las vanguardias se utilizan de manera abierta, según el contexto y la voluntad expresiva de los propios creadores, lo que genera, en ocasiones, un interesante juego de contrastes e incluso de contradicciones.

The Cloud Tower, un pabellón de espectáculos al aire libre, ubicado dentro de los terrenos pertenecientes al castillo, es un escenario al aire libre que atrae público incluso como monumento, ya que durante el invierno sólo se utiliza en momentos puntuales, debido al clima invernal en Austria.

Diseñado por los arquitectos Marie-Therese Harnoncourt J. y Ernst Fuchs de next enterprise-architects, reinterpreta el concepto de Landscape Gardening, haciendo uso, no sólo de los elementos del paisaje natural, sino de complejos elementos asimétricos y materiales contemporáneos como el concreto y el acero.

De esta forma, el extravagante pabellón al aire libre, que se utiliza para algunos de los eventos artísticos y musicales más importantes de la temporada de verano, también surge como una especie de plazoleta, que funciona de manera similar a las que se encontraban en los históricos jardines europeos de los siglos XVIII y XIX, es decir, como parada para que los paseantes puedan descansar después de una larga caminata entre las áreas verdes.

El auditorio se encuentra enclavado sobre una depresión del terreno, mismo que, para exaltar su belleza espontánea con el mayor provecho, fue excavado. La tierra extraída, en algunas zonas, sirvió para generar una pendiente más escarpada, ayudando a resolver la isóptica de las gradas, mientras que en otras, se utilizó para conformar taludes que provocan que el edificio, según la ubicación del usuario, emerja, continúe o se introduzca en el terreno.

El vestíbulo de acceso, por ejemplo, es un corredor, flanqueado por esbeltos muros asimétricos de concreto que se elevan conforme la colina artificial, al mismo tiempo que la cortan y penetran. Esta vereda además, permite la continuidad visual a lo largo del terreno, por lo que desde este punto se pueden observar algunas de las edificaciones que integran este centro recreativo y cultural como, la escuela de equitación.

El juego de pendientes y taludes, es un interesante recurso, retomado también del Landscape Gardening, que sirve tanto para componer el cuadro de paisaje como un medio de visión en movimiento.

Desde el castillo, los visitantes pueden apreciar la Cloud Tower, ubicada de tras de los montículos artificiales. La solución arquitectónica y la ubicación de esta nube artificial, construida con concreto, acero y cristal, es otro de los juegos visuales que hacen que este elemento parezca flotar sobre el auditorio, e incluso de entremezcle con las copas de los árboles, pues se sitúa a la misma altura.

El hecho de que los creadores hayan recurrido a toda una serie de juegos formales para generar una arquitectura lúdica y en movimiento no es un capricho solamente; las complejas formas, de esta escultura habitable, sirvieron también para resolver la acústica del auditorio; lo que se ve, tiene una función.

The Cloud Tower tiene capacidad para albergar a 1970 espectadores sentados, de los cuales 300 se pueden ubican sobre el césped. En el escenario se pueden ubicar 200 intérpretes o ejecutantes.

Read More/Continua...

Castillo Grafenegg, una fusion de dos estilos antitéticos.

2009-08-08T03:47:00.001-05:00

El segundo complejo ubicado en los terrenos del Castillo Grafenegg, es llamado Schloss Grafengg (Sala de Conciertos), este proyecto posee características más complejas por estar integrado con la estructura del castillo existente.

En este caso los arquitectos para conservar el carácter de patrimonio protegido, optaron por manejar la fachada revestida de cobre, de modo que las hojas de este material, con el tiempo tomen su color de oxidación, y se tornen de color verde complemento que observamos en muchos edificios históricos.

El estudio de arquitectos, Schröder Schulte-ladbeck, con sede en Dortmund, Alemania es conocida por el diseño de salas de conciertos y por sus originales soluciones. El ganar el concurso entre un grupo importante de arquitectos de renombre internacional para la sala de conciertos del Castillo Grafenegg, pone a la vanguardia una vez más a

Las extensas obras de construcción iniciaron en 2005 y finalizaron en 2008, Schloss Grafenegg se ha convertido en un lugar cultural de renombre internacional. El diseño proporciono la construcción de un edificio aislado pero a la vez conectado al conjunto por medio de “la vieja escuela de equitación”, con una serie de grupos de presión o cruces de cristal.

El nuevo edificio con una capacidad para un auditorio de 1270 personas, establece parámetros acústicos convincentes. Palabras clave para el concepto de diseño, que se basa en una fuga musical, se forma el número, la dimensión, la proporción, el material y color. Este último encontró su expresión más significativa en el diseño de la fachada revestida con hojas de cobre Tecu ® Classic.

A través de la oxidación del cobre ha desarrollado su capa protectora natural. Dependiendo cómo caiga la luz, la fachada se presenta en muchos colores vivos y los cambios en la superficie seguirán por muchos años, hasta que la simbiosis con el entorno histórico se complete cuando en todas las láminas se desarrolle la pátina verde que es típica del cobre.

El volumen de la construcción ha sido elaborado con la consideración de los límites y las alturas de los edificios circundantes, mientras que la estructura básica se formó a partir de la composición de la sala adjunta y su entorno funcional y de la conexión de las zonas. El punto de vista visual, las relaciones en el parque y el castillo, fueron siempre tenidas en cuenta, el contenido se comunica perfectamente con su entorno.
Las dimensiones interiores proporcionan:
Altura del techo de la sala de 15,5,
Longitud de la sala: 39 a 43
Anchura de la sala: 18.4m

Para la obtención de la acústica y la elaboración del diseño interior los arquitectos Schröder Schulte-ladbeck, recurrieron a la colaboración de Dortmund (D) BBM Müller, Munich (D). Las salas se concluyeron con la tradicional forma rectangular, cerradas herméticamente, con aire acondicionado y distribución de sonido directo.
Puestos para el público: 1.270 (completo uso de la sala) 500 (sala de música de cámara, la "vieja escuela de equitación")

Para realizar los nuevos proyectos en el entorno del Castillo Grafenegg; Los arquitectos tuvieron que encontrar el tema de la realización, como la transformación de la inmaterialidad de la música y la acústica en el material contenido y en la aplicación de las leyes de fuga en la forma arquitectónica. Las nuevas edificaciones existentes en el Castillo están colocadas especialmente para cubrir las altas exigencias en términos de integración de una nueva concepción dentro de un conjunto histórico.

El espacio alberga cada año el Festival de música de verano, que se lleva a cabo en el auditorio y en el pabellón al aire libre, es considerado como el punto culminante del programa anual de eventos culturales de Grafenegg.

Además de los eventos culturales, otro de los atractivos de este lugar es el parque y, por supuesto, su arquitectura de paisaje. En este espacio, hay diversos atractivos para la vista, uno de ellos es el árbol gigante más antiguo de Austria, sembrado en 1648 para conmemorar la paz de Westfalia.

La propuesta de eventos pretende ser variada, y sobretodo que atraiga tanto a un público joven e informal como a la más alta sociedad vienesa. Para ello nos encontramos desde John Eliot Gardiner haciendo Bach hasta estrenos del compositor residente del “Festival Grafenegg”, pasando por músicas tradicionales japonesas. Tampoco los niños pueden quedar fuera, y cada año cuando se organiza el “Festival Grafenegg” se cuenta hasta con un programa pedagógico propio.

Por sus características formales y funcionales, estos espacios, son sin duda, una interesante fusión de dos nociones arquitectónicas aparentemente antitéticas. Sin embargo se siente la estabilidad, al lograr esta compenetración en los tan diferentes estilos.

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

UNStudio los ganadores del concurso para el Dance Theater en St. Petesburg

2009-08-02T01:04:00.006-05:00

UNStudio son los ganadores del concurso de diseño convocado en Rusia, para construir el Palacio de la Danza (The Dance Palace) en el centro histórico de St. Petersburgo.

De los cuatro proyectos presentados (Jean Nouvel (Francia), UNStudio (NL), Snohetta (NO), ZAO (RU)), el diseño de UNStudio fue elegido en este mes de Julio 2009, por el jurado y por unanimidad para su realización.

El Palacio de la Danza constituye una parte integrante de la Comunidad Europea, una ubicación emplazada en la cima del lugar que alberga la nueva plaza urbana en el centro histórico de St Petersburgo.

El contexto urbano para la construcción del proyecto fue una parte esencial para el diseño.

El Palacio de la Danza se encuentra en la plaza de tal manera que permite sin restricciones la visibilidad hacia el cercano edificio del príncipe Vladimir y las catedrales de Sn. Pedro y Sn. Pablo, para lograr la conjugación de unos de los más excepcionales edificios en San Petersburgo.

El nuevo complejo alberga el ballet de Eifman de St. Petersburg, encabezada por el coreógrafo Boris Eifman.

También las cualidades escultóricas del Palacio de la Danza deben reflejar las de los edificios que lo circundan de acuerdo al plan maestro, proporcionando una conexión con su entorno y aún así conservar su particular prominencia.

La integración con los edificios existentes también se logra por la escala del edificio el cual se conserva dentro de los parámetros que exige respetar el reglamento en la altura de St. Petersburgo, sin poder exceder del techo 28m de altura.

Para el acceso, el diseño de una entrada central y amplia es incorporada en la fachada logrando así la integración total a la misma plaza pública y su contexto urbano.
Con 21.000 m2 de espacios, esta obra contempla; un teatro abierto y atractivo con una capacidad de 1,300 personas (1,000 en el gran auditorio y 300 en el pequeño).

Una fuerte relevancia se centra en lograr para el edificio una amplia circulación del público en el vestíbulo interior. “La altura en el vestíbulo proporciona un alto nivel de transparencia desde el interior hacia el exterior, mientras que de esta forma presenta una especie de escenario para los visitantes al teatro, un lugar para ver y ser visto”.

Con la transformación y transparencia que se introduce por un sistema de fachadas de paneles triangulares para su revestimiento se logra una composición armónica y dinámica.

De la misma manera, la variación entre paneles opacos y perforados crea una transparencia controlada, en función del programa, la luz y la orientación.

"Un requisito fundamental cuando se estaba diseñando la disposición de las butacas del auditorio, era encontrar la forma de hacer posible ver los pies de la bailarina desde todos los asientos en la sala en todo momento, sin importar donde el artista se coloca en el escenario."

De las premisas más esenciales para UNStudio en la realización del diseño para el auditorio principal en el nuevo Palacio de la Danza, fueron las consideraciones de acústica y de proximidad del público al escenario. Por esta razón, la forma de herradura fue la elegida para desarrollar. Esta disposición para la audiencia, se considera una de las más convenientes para disfrutar de la acústica y la visibilidad, en el ballet y el teatro musical, al mismo tiempo que ofrece la proximidad a la obra, garantiza una experiencia íntima y colectiva para el espectador.

La riqueza en el diseño es característica en los proyectos de UNStudio, equipo que ha realizado otras propuestas interesantes en varias partes del mundo.

Como otro de los ejemplos claros de su creatividad tenemos el Research Laboratory en Groningen, NL , realizado de 2003 a 2008.

La fachada de aluminio se inclinó hacia el exterior en algunos puntos, dando encuentro a retorcidas formas con ondulaciones verticales. Los diferentes puntos de observación de la fachada nos proporcionan varias perspectivas, lo que supone encontrar un aspecto abierto o cerrado, dependiendo del lugar en donde nos encontremos.

En el interior, dos huecos verticales permiten la entrada de luz del día, que también funcionan como una forma de fachada interior. Los dos mantienen una geometría asimétrica de conos truncados.

Las escaleras rodean estos huecos internos para evitar la creación de corredores obscuros. En la planta baja, donde la luz del día se encuentra en su punto más bajo, se utiliza el color amarillo y según se suben los niveles este color se profundiza, a través de la misma gama, de naranja hasta llegar finalmente a rojo en el nivel superior.

Su escultural propuesta en el (Dance Theater) de St. Petersburgo, completa el proyecto urbano de la plaza como parte de la Comunidad Europea.

Si quieres conocer otros proyectos de UNStudio...

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

MVRDV Arquitectos proyecto ecologico concurso Grupo Daewoo

2009-07-28T00:02:00.009-05:00

MVRDV Architects, gano el concurso promovido por el “Grupo Daewoo”, para el proyecto ecológico a desarrollar en el centro de la ciudad de Gwanggyo, localizado aproximadamente a 35 km. al sur de Seúl, en Corea del Sur.

El proyecto de los arquitectos holandeses MVRDV para diseñar el centro urbano, desarrolla una propuesta para una nueva ciudad de 77,000 habitantes. El diseño con una marcada tendencia ecológica, tiene como objetivo crear un paisaje verde que ampliará las cualidades del entorno, permitiendo la unificación con los parques circundantes.

El complejo urbanístico responde a la necesidad de promover un nuevo centro (Power Centre) para la ciudad, donde cinco esbeltas torres residenciales compartirán manzana con otros edificios de menor altura destinados a oficinas, entretenimiento, espacios culturales y educacionales, contando con zona de aparcamientos para dar servicio a los residentes.

El concepto unificado, consistente en estructuras de planta circular que disminuyen su diámetro según el eje vertical, y con una fuerte y reiterativa textura vegetal en la fachada. El diseño consiste en una serie de colinas cubiertas, que figuran la gran densidad y diversidad urbana en evolución.

Las colinas estructurales serán construidas con una serie de anillos que facilitan la vida exterior. Cada piso se compondrá de terrazas y estos se comunicarán al sistema de circulación de agua que será almacenada y utilizada para regar las plantas.
Se plantarán setos en cada colina y terraza que permitirá crear un parque fuerte, reconocible y coherente con el diseño.
En cada torre se contara con diferentes vacíos o huecos que conectan al atrio para proporcionar luz y ventilación, así también la creación de espacios semi-públicos, que complementaran la vida en el desarrollo.

Los arquitectos de MVRDV comentaron que; “el programa diversificado tiene diferentes necesidades según la fase en que se encuentre, su posición y su tamaño. Para facilitarlo, todos los elementos se diseñan como anillos. Empujando esos anillos hacia afuera, todas las partes del programa tienen su terraza exterior”. En las terrazas y cubiertas de los edificios se siembran plantas con la intención de mejorar la ventilación, la humedad y reducir el gasto de energía y de agua.

El “Power Centre” de Gwanggyo, crea un denso programa urbano en un entorno verde.
Comprenderá 200,000 m2 de viviendas, 48,000 m2 de oficinas, 200,000 m2 de espacios culturales, comerciales, de ocio y educativos, independientemente de 200,000 m2 de aparcamientos. El lugar está rodeado por un lago y montañas boscosas, por lo que el diseño pretende crear un paisaje dentro del paisaje que aumente las cualidades verdes, que una los parques del entorno y la edificación, creando una estabilidad natural.

El resultado no dejara indiferente a nadie, MVRDV Architects, sigue dando soluciones rotundas y diferentes en cada proyecto, lo cual rompe con la tendencia de los grandes estudios de arquitectura, y aunque el resultado final es de apariencia sencilla, en realidad esconde nuevas soluciones funcionales y técnicas.

El desplazamiento de los pisos provoca huecos que forman atrios en los grandes núcleos. Sirven como salas previas a las viviendas y oficinas, plazas para el centro comercial y vestíbulos para el museo y las funciones de ocio. En las plantas inferiores, los atrios están conectados a través de una serie de espacios públicos, enlazando los distintos niveles de las torres y dando lugar a las instalaciones al aire libre, culturales, comerciales y de ocio.

El proyecto es ambicioso y complejo, sin embargo sus características innovadoras y de fusión con el medio ambiente natural, nos presentan la oportunidad de comprobar la posibilidad de coexistencia entre la naturaleza y la sociedad Humana. El grave problema como siempre es el costo, en ese ámbito es donde todos estos proyectos tan interesantes se vuelven utópicos, sin embargo se espera la autorización del presupuesto para 2011. Toda esta nueva ciudad tendrá la cualidad de auto suficiencia y al momento de contener el máximo de su población considerada en 77,000 habitantes, comprobaremos su funcionalidad real.

Si quieres conocer más imágenes de este proyecto de MVRDV Architects, clic aqui……

MVRDV es uno de los estudios que últimamente ha adquirido mayor relieve. Las intervenciones de MVRDV son ante todo propuestas audaces y provocativas, que aún en terrenos tan estériles como la vivienda colectiva emergen con vida.

El estudio holandés, fundado en 1991 en Rótterdam, por los Arquitectos: Winy Maas, Jacob van Rijs, Nathalie de Vries (MVRDV) esta considerado uno de los más singulares internacionalmente en los últimos años, ha dedicado gran parte de su esfuerzo a proyectos.

Algunos de sus trabajos más reconocidos se encuentran en España:
Como las viviendas sociales en Valencia.

La torre-huerta para 100 viviendas, con voladizos en donde se plantan árboles frutales, proyectada en el contexto del desarrollo urbanístico de la zona de Sociópolis.

Que por cierto de Sociópolis desde su lanzamiento en 2005 y varios eventos de puesta de primera piedra no se concreta nada.

Madrid, donde realizaron el espectacular edificio Mirador, un edificio de viviendas en altura proyectado por MVRDV en colaboración con Blanca Lleó.

El edificio Mirador se distingue con respecto a los edificios del entorno por su volumen, de 21 plantas (63,4 metros). La tipología de construcción en altura permite liberar una parte importante del espacio de la parcela, haciendo así posible la cesión de una parte del terreno privado en beneficio del disfrute colectivo.

Su gran distintivo, que lo ha echo especialmente llamativo, es el hueco situado a 36,8 metros del suelo. Este espacio a modo de mirador, que da nombre al edificio, ofrece a los vecinos un jardín comunitario y un espacio al aire libre en altura con vistas a la sierra de Guadarrama. Dicho jardín en altura o mirador, situado en la planta 12, tiene una superficie aproximada de 580 m2 y una altura de 13 metros.

El equipo se encuentra desarrollando en Barcelona la urbanización de siete manzanas según algunas pautas del Eixample de Cerdá. El proyecto dedica cada manzana a un uso distinto: deportes, oficinas, casas unifamiliares, etc.

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

Empieza la construccion del Campus Interuniversitario en Barcelona

2009-07-19T04:10:00.006-05:00

Situado en un terreno que es frontera literal entre los ayuntamientos de Barcelona y de Sant Adrià. Empieza a construirse el Campus Interuniversitario Diagonal-Besòs en la Zona forum de Barcelona, con el proyecto de la arquitecta iraquí Zaha Hadid. La nueva construcción, bautizada con el nombre de Spiralling Tower, es un edificio en forma de espiral donde las plantas se superponen unas sobre otras y el presupuesto de la obra es de 65 millones de euros, que aporta el Consorcio de Zona Franca de Barcelona.

El 14 de Julio de 2009 tuvo lugar la ceremonia de colocación de la primera piedra del edificio Torre Espiral, hecho con el que se inauguran las obras de construcción de este emblemático edificio.

"Empieza hoy el nuevo Campus Interuniversitario". Con estas palabras, el alcalde de Barcelona, Jordi Hereu, ha definido el acto celebrado, donde estuvo presente la Arquitecta Hadid.
En este sentido, el alcalde de Sant Adrià, Jesús Maria Canga, quien también ha asistido al acto, ha destacado la apuesta del alcalde de Barcelona por el Forum y lo ha animado a seguir trabajando en "este concepto de ciudad".

El reto de este diseño vanguardista de la prestigiosa arquitecta Zaha Hadid (premio Pritzker de arquitectura en 2004) es crear un conjunto de dos cuerpos distintos, promovidos en realidad por dos entidades: el Consorcio de la Zona Franca, que edificará 12.150 m² (59% del techo) y el Consorcio Interuniversitario del Besòs, que tendrá otros 8.500 m² (41%).

El proyecto es la puerta arquitectónica que liga urbanísticamente el área Fórum con el Campus Interuniversitario y el distrito 22@, ya que la torre se levantará en la confluencia de estas grandes áreas urbanas, sobre un terreno de 6.700 m2 de superficie (entre las calles Taulat, Sant Ramon de Penyafort y Eduard Maristany).

El nuevo campus interuniversitario estará situado al final de la avenida Diagonal, una de las principales vías de Barcelona, en la confluencia de las calles Taulat y Sant Ramon de Penyafort, a un costado del edificio Forum diseñado por Herzog y de Meuron para el Forum de las Culturas que tuvo lugar en el año 2004.

La Arquitecta Zaha Hadid, ha aprovechado la pendiente del terreno para iniciar la elevación en espiral del edificio. En conjunto, el proyecto tiene 20.650 m2 sobre rasante (nivel de calle), llegando a una altura máxima de 48 metros. Contando con 5.600 m2 bajo rasante. Dado que hay una planta subterránea para estacionamiento con planta baja y once plantas superiores, los cuerpos constructivos estaran divididos en dos.

La “Torre Espiral” estará construida en cristal, acero y concreto (hormigón).
El edificio está organizado por la superposición de diferentes cuerpos de forma romboidal que van creando distintas terrazas y voladizos que aseguran excelentes vistas al mar y al entorno urbano de esta zona en transformación.

En el interior están previstos grandes atrios con luz natural y una organización variada y dinámica de los espacios. De forma especial también se han trabajado especialmente los flujos de circulación de personas en el edificio, dada su especial morfología.
La propia estructura del edificio, que mezcla espacios y establece puentes de conexión, favorecerá la interacción entre los usos públicos y los privados.

El Consorcio de la Zona Franca destinará su superficie a: oficinas, alquiladas a empresas de desarrollo científico y tecnológico, actividades de creación y comunicación, estudios, talleres y despachos profesionales de ingeniería. Spiralling Tower es pues la unión funcional de espacios de oficina y universidad. Aquí aparece otro de los objetivos de este proyecto: establecer un puente entre educación, investigación y empresa, promoviendo nuevas oportunidades de interacción entre dichos sectores, reforzadas con el diseño de espacios públicos: patios, terrazas y atrios.

La construcción del edificio define el proceso comenzado con el Fórum y convertirá la zona en una de futuro, y apuesta por el conocimiento, la innovación y la generación de ideas. Con las oficinas básicamente situadas en las plantas más altas, la distribución de actividades irá cambiando por capas, de manera que se irá ganando espacio para dependencias de la universidad conforme se vaya hacia la base de la torre, donde habrá un auditorio, espacios comerciales y espacios cívicos. La previsión es que su construcción finalice en Diciembre del año 2011.

El Campus, ocupará unos 2.260 m2 de la Torre Espiral. Conceptos como son la ingeniería, la innovación y la multidisciplinariedad, son palabras clave del proyecto para el nuevo espacio universitario, que la Universidad Politécnica de Catalunya está desarrollando en el Campus de Diagonal-Besós.

El nuevo campus integrará espacios de formación en ingeniería y de investigación especialmente vinculada a la innovación en el ámbito del agua y la energía. En este sentido, la UPC tiene previsto ubicar la Escuela Universitaria de Ingeniería Técnica Industrial de Barcelona (EUETIB) y la Escuela Técnica Superior de Ingeniería Industrial de Barcelona (ETSEIB) como motores de actividad y conocimiento.

El rector de la UPC, dijo que la Torre Espiral aspira a convertirse en un nexo entre el futuro campus de la UPC y la zona empresarial. Destacó que el proyecto se llevará a cabo de manera sostenible y respetuosa con el medio ambiente.

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo

Concesionaria Timpanogos Harley-Davidson Lindon Utah

2009-07-13T22:11:00.009-05:00

La firma Scholz + Associates Architects a conjugado en su proyecto para Harley-Davidson, el reciclaje, el conservacionismo y el amor a las motocicletas en este estupendo desarrollo.

Las motocicletas Harley-Davidson se distinguen por su herencia, estilo clásico y evocación de aventuras en la carretera, realizadas por pandillas de motociclistas. Desde sus inicios en 1903, Harley Davidson ha mantenido un fuerte lazo con sus orígenes en Milwaukee, Wisconsin.
Su encanto atrae a fieles seguidores y entusiastas amantes de las motocicletas, al punto de haberse convertido en una de las marcas de motocicletas más reconocidas en el mundo.
Adquiriendo la categoría de leyenda y conjugando su legendario nombre en sinónimo de la palabra “motocicleta”.

Cuando Scholz + Associates, la firma de arquitectos en Provo, Utah, fue contactado para desarrollar el proyecto de más de 50,000 pies cuadrados de la Concesionaria Harley-Davidson en Lindon, Utah.

La firma de Arquitectos se dio a la tarea para obtener las directrices para el desarrollo del proyecto, con el fin de plasmar en cada uno de los miembros del equipo de diseño, la idea de expresar este gran legado del motociclismo.

Este trabajo se vio facilitado, cuando por contactos tanto del dueño como de Kevin Scholz, se pudo solicitar el material obtenido del desmantelamiento en una de las fábricas de Acero más grandes en el oeste de Estados Unidos, “Geneva Steel”.

La Fabrica de Acero “Geneva Steel” localizada en las cercanías de la ciudad de Lindon, llego a ser una de las más importantes de muchas industrias que se establecieron en "Utah" durante el periodo de la Segunda Guerra Mundial. Teniendo un gran impacto en la economía del Condado. Proveyó miles de empleos bien remunerados y atrajo a muchas otras empresas. Finalmente después de más de 40 años la fábrica cerró a comienzos de 1987 debido a diversos factores de índole administrativos.

De las piezas obtenidas, de esta fábrica de aceros y de otras viejas construcciones en los alrededores del Condado de Utah, se consiguió aproximadamente un 80% de los materiales usados en la construcción de la Concesionaria Timpanogos Harley-Davidson.

Estos materiales incluían grandes columnas y vigas de acero, cientos de lámparas de tipo industrial, puertas y ventanas, así como grandes láminas de acero.

Este proyecto es prácticamente un perfecto ejemplo del reciclaje de materiales en grandes cantidades que a su vez nos habla de las raíces industriales de la “Ciudad de Lindon”, mientras que al mismo tiempo se preservo una porción del legado de la fundidora, “Geneva Steel”.

Timpanogos Harley-Davidson se ha convertido en un icono en el estado de Utah, y es una concesionaria de las más grandes y únicas en su estilo, para estas legendarias motocicletas alrededor de Estados Unidos.

Además de la distribución de las motocicletas, refacciones y servicio; la concesionaria en su tienda ofrece toda una extensa línea de ropa y accesorios, así como un restaurante y un centro de visitantes que recibe a toda clase de grupos de motociclistas, que recorren las carreteras de Estados Unidos sobre una Harley-Davidson.

Se espera que atraiga a miles de visitantes de todo el país cada año, convirtiéndose por su diseño y estilo, en uno de los lugares de visita obligada para los seguidores de la marca Harley-Davidson.

Contactar a Scholz + Associates Architects.

Publicado por:

Arq. Paula Montes & Arq. Emilio R. Covelo

La nueva estampa del puerto de Liverpool

2009-07-07T21:32:00.005-05:00

El nuevo frente marítimo de Liverpool, es una serie de nuevos edificios rehabilitados como los del “Albert Dock”, unidos a nuevos de uso terciario, como son el “Echo Arena” o el “Museum of Liverpool”, tras el cual están las construcciones del antiguo puerto,‘Las Tres Gracias', un área declarada patrimonio de la humanidad por la UNESCO, y joyas arquitectónicas de la ciudad desde siempre.

Ese frente de edificios protege las dársenas y espacios interiores dominados por el agua, que es por donde realmente circula la gente, ya que en el frente mismo suele haber mucho viento y no es nada agradable, es por ello que entre la ciudad y la nueva zona del frente, se crea ese colchón de espacio que separa usos y oxigena una zona antes degradada.

El lugar donde se ubica el “Museum of Liverpool”, el área de los muelles junto al Río Mersey, Situado en el Pier Head, el museo será visible desde el río y la ciudad, generando un nuevo hito urbano. Será uno de los más importantes museos de historia de una ciudad en el mundo, reflejando la significación global de Liverpool a través de su geografía, historia y cultura desde la esclavitud hasta The Beatles, estimándose que lo visitarán unas 750.000 personas por año.

El despacho de Arquitectura 3xNielsen fue el ganador del concurso para el nuevo museo de Liverpool, cuya obra se completo en el año 2008 su primera etapa y la totalidad de la construcción se finalizara para en el 2010.

Los Daneses proyectaron un museo de 13.000 m2, que contara con un espacio para exhibir más de 40.000 objetos en exposición. Han creado el desarrollo de un museo interactivo, enfocado a experiencias sensuales.
El estudio 3xN dejo atrás a los proyectos presentados por: Zaha Hadid y Daniel Libeskind con un concepto dinámico, que es también una interpretación del "Liverpool harbour".

El Nuevo Museo de Liverpool comenzó a construirse en 2007 en el Reino Unido. 3XN diseñó una estructura dinámica, abierta y ‘democrática' que se erige desde el terreno como una plataforma inclinada que conforma un edificio escultórico e icónico. Este proyecto obtuvo el primer premio en un concurso internacional por invitación en 2004.
Por mucho tiempo, Liverpool fue una de las ciudades más importantes del mundo y esta historia será ‘contada' por el museo en coincidencia con el evento para el que fue seleccionada como Capital Cultural de Europa 2008, del que el nuevo museo se manifestó como un punto focal, lo que implica que la primera etapa se desarrollo en tiempo récord dado que debió abrir al publico para el evento.

La estructura fue concebida como unas plataformas inclinadas o elevadas que, gradualmente, conforman un icono escultural con todas sus superficies accesibles permitiendo así el flujo del público que circula a lo largo de los muelles.

La adaptación al sitio es una distinción clara entre lo nuevo y lo existente y fue considerado como esencial en un medio del valor patrimonial. Una arquitectura que responda a su tiempo es el único modo de valorizar y mantener visible la historia del lugar.

Por ese motivo se decidió mantener un edificio de baja altura y un lenguaje formal contemporáneo, permitiendo que ‘Las Tres Gracias' y el Albert Dock conserven su fuerza visual destacándose en el contexto, y que el frente ribereño mantenga su perfil característico.

La armonía con el conjunto se logra mediante el uso de materiales como la piedra que se puede ver en muchos edificios del área y con una planificación que tomó en cuenta y enfatizó las líneas de flujo peatonal en los muelles. El nuevo museo genera una serie de espacios exteriores protegidos y lugares interiores con visuales hacia los distintos puntos de atracción de la ciudad. Toda la planificación se llevó a cabo en cooperación estrecha con “English Heritage” (Patrimonio Inglés).

El museo promueve la conservación del antiguo Liverpool, y estampa la nueva imagen de la ciudad actual.

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

Tadao Ando y su escultural sensillez

2009-06-29T01:08:00.005-05:00

Tadao Ando nació en Osaka (Japón) el 13 de septiembre de 1941 y adquirió conocimientos de forma autodidacta de sus muchos viajes por Norteamérica, África y Europa, además se dedico a comprender los conceptos y técnicas de la arquitectura, con la lectura de multitud de libro. En 1969 fundó Tadao Ando Architect & Associates en Osaka.

Los rasgos característicos de su arquitectura son las formas simples de concreto natural (hormigón visto), tanto en exterior como en interiores. Aunque por fuera algunas de sus obras son cerradas, sus generosos patios interiores acristalados permiten la percepción del viento y del clima.

Sus teorías y pensamientos son una mezcla rica en experiencias y estudios personales.
“Cosas como la luz y el aire tienen sólo un significado cuando penetran en una casa en forma de fragmentos del mundo exterior. Las porciones aisladas de luz y aire reproducen la naturaleza entera.”

En palabras del mismo Tadao Ando:
“Dentro de mí hay dos pilares: una universalidad ideal y la regionalizad, basada en la historia, las tradiciones y la etnología de cada lugar. Entre los dos pilares busco un lugar o un espacio estimulante donde se pueda percibir una filosofía rica”.

“No hay un proceso de transformación de mis palabras a la realidad. Siempre estoy en busca de la luz, y cuando abro un hueco para que penetre lo hace tanto la luz física como la luz conceptual. El ser vivo intenta crear y transmitir esa sugerencia a los que viven dentro. En la exposición se puede ver ese proceso de creación, la parte más interesante de la arquitectura, con los caminos seguidos, y también los errores”.

Reconocimientos y Enseñanza:
1969 -Profesor Visitante/ Davenport Chair en la Universidad de Yale
1969 - Profesor Visitante en la Columbia University
1979 -- Premio del Architectural Institute of Japón.
1989 -Gold medal de la French Academy of Architecture.
1985 - Alvar Aalto medal.
1992 - Carlsberg Architectural Prize.
1994 - The Japón Art Grand Prix.
1995 - The Asahi Prize.
1995 - The Pritzker Architecture Prize.
1996 - The 8th Praemium Imperiale.
1997 - RIBA's Gold Medal, Londres
2002 - doctor honoris causa por la Primera Facultad de Arquitectura, Roma

Obras:
1973 - Tomishima House, Osaka, Japón
1973 - Row House, Sumiyoshi (Azuma House), Japón.
1975 - Row House Osaka, Japón.
1977 - Manabe Residence Osaka, Japón.
1977 - Glass Block House, Ikuno, Osaka, Japón.
1979 - Koshino House Tokyo, Japón.
1978 - Rokko Housing I, Kobe, Hyogo, Japón.
1982 - Kidosaki House Tokyo, Japón.
1985 - Church on the Water Hokkaido Japón.
1987 - Hyogo Childrens Museum Himeji, Japón.
1987 - Chapel at Mount Rokko.
1987 - Church of Light Osaka, Japón.
1988 - Naoshima Contemporary Art Museum, Naoshima, Kagawa, Japón.
1990 - Chikatsu-Asuka Historical Museum Minami-Kawachi.
1991 - Museum of Wood, Mikata-Gun, Hyogo, Japón.
1991-1993 - Vitra Conference Pavilion, Weil am Rhein, Alemania.
1991/1993 - Factory building for the company Benetton in Treviso, Italia.
1992 - Pabellón Japonés de la Expo. 92, Sevilla, España.
1992 - Japanese Screen Gallery Art Institute Chicago, IL, USA.
1992 - Benesse House Naoshima, Japón.
1992 - Naoshima Contemporary Art Museum, Kagawa.
1992 - Nariwa Museum, Nariwa-Cho, Okayama, Japón.
1994 - Meditation Space UNESCO, París, Francia.
1993 - Museum of Literature II, Himeji, Hyogo, Japón.
1995 - Peace Haven Paris, Francia.
1995 - Suntory Museum Osaka, Japón.
1996 - Museum of Wood Hyogo, Japón
1997 - Eychaners Residence Chicago, IL, USA.
1997 - Modern Art Museum Fort Worth, TX, USA.
2001 - Giorgio Armani Theater, Milán
2000 - Fabrica Benetton (Centro de investigacion)Treviso, Italia
2003 - Museo de Arte Museum of Art Onomichi, Hiroshima, Japon
2006 - Omotesando Hills, Tokio, Japon

Museo de la Madera:
A partir de un encargo para celebrar el Día de los Bosques, conmemoración instaurada por el emperador luego de la destrucción de grandes áreas forestales durante la segunda mundial.
Se realiza el proyecto que forma parte de la estrategia ambiental japonesa para fomentar el conocimiento y el respeto por la naturaleza.

Erigido como un santuario, el edificio emerge de entre los bosques con una concepción volumétrica que destaca por su simpleza. Un cono truncado de 46 metros de diámetro es atravesado por un puente peatonal que se adentra en la vegetación.

En su interior puede apreciarse cómo Ando practica una interesante combinación de madera y concreto.

a entramada conformación del techo evoca inevitablemente a los templos y santuarios japoneses en Kyoto, Nara o Tokyo. Pero más allá de un mero simbolismo, Ando utiliza esta compleja estructura del techo para dotar el interior de un interesante juego de luz y sombra.

Sus casas:
En Sumiyoshi sus casas adosadas, forman dos alas rectangulares conectadas por un puente que rodean un patio interior central de las mismas dimensiones que ambas alas. La fachada de hormigón que da a la calle es cerrada y queda interrumpida únicamente por una estrecha entrada.

En su interior la casa Azuma encuentra la luz, en espacios abiertos y huecos por donde penetera , para conseguir la iluminacion natural, que persigue el Arquitecto Ando.

En el exterior la casa Azuma expresa su compromiso con el concreto aparente (hormigón visto), caracteristico de sus obras.

La casa Matsumoto en Ashiya (Japón 1976-1977), conocida como “Wall House” presenta un cuadro arquitectónico de concreto (hormigón) cubierto por una bóveda de medio cañón. La casa no es visible desde la calle, queda completamente oculta tras un muro de hormigón.

Esta percepción interior caracteriza las viviendas de Ando y se refleja también en la casa Koshino en Ahiya. Sus dos alas rectangulares se hunden en la profundidad del suelo y queda completamente anexo en forma de abanico. Las hendiduras en la cubierta y las paredes garantizan una incidencia de la luz muy acentuada.

Casa Koshino:
La vivienda, realizada por Tadao Ando para el diseñador Koshino, es un auténtico laberinto de luces y sombras. El arquitecto busca conciliar los postulados del modernismo internacional con la tradición y el paisaje, en este caso, japonés.

Así, la Casa es un ejemplo de arquitectura contemporánea construida en dos pabellones paralelos que apenas interrumpen el paisaje.

Emplazada en la ladera de una montaña densamente arbolada, la Casa Koshino está empotrada en el terreno, cuya configuración irregular contrasta vigorosamente con la nitidez de las formas geométricas de la edificación. El efecto que se logra, mediante una fuerte pendiente, es que el visitante entra por arriba y antes de entrar puede ver a sus pies el tejado de la casa.

Iglesia de Hokkaido sobre el agua:
Envuelta en una estética carente de ornamento, como muchas de las obras de Tadao Ando basan su riqueza en la relación del edificio con la luz y la naturaleza.

En ese sentido, su Iglesia sobre el agua, diseñada en 1985 y construida en 1988, es una de sus más logradas realizaciones en las que utiliza a la naturaleza como elemento involucrado en el diseño.

En ella, Ando logra crear un microcosmos en el que combina de manera simple pero magistral conceptos sobre lo profano y lo sacro, lo artificial y lo natural, lo cerrado y lo expuesto, el vacío y el infinito.

El proyecto esta realizado con exquisita sencillez, encontrando el enlace perfecto entre lo funcional y lo monumental.

La Iglesia de la luz de Osaka:
Ubicado en una escondida esquina en un tranquilo suburbio residencial en Ibaraki, Osaka, este pequeño conjunto comprende dos modestos edificios, dispuestos en ángulo, orientándose de acuerdo a la trama vial de la urbanización.

Tras el altar existe una abertura cruciforme, embebiendo al espacio interior del poder y energía de la luz.

La luz es el único elemento natural que ingresa al ambiente, como reforzando su condición divina e invadiendo la profana oscuridad.

El edificio, construido en concreto, ha abandonado todo ornamento para revestirse de la espiritualidad que confiere la luz, haciendo más intensa su calidad de sacro(1988-1989).

Pabellón japonés Expo. ‘92 de Sevilla:
De la década de los 90 destaca el pabellón japonés construido exclusivamente en madera, presenta una pasarela peatonal cuyos ejes se internan en el paisaje y cruzan el edificio cilíndrico sin ventanas.

Unos sólidos soportes de madera marcan su distribución de forma estricta, considerado el mayor edificio de madera del mundo, es un edificio de cuatro plantas con vigas y columnas de madera.

El visitante ascendía al piso superior cruzando un puente con el que se quiso simbolizar el transito entre la orilla del Japón tradicional a la ribera de la era moderna, al igual que el puente tendido entre oriente y occidente.

El Pabellón de carácter efímero, lastimosamente, fue desmontado. Este seria el primer edificio fuera de Japón diseñado por Tadao Ando.

Estación de Harajuku:
En este edificio resalta su sencillez y vanguardismo, adaptado al nuevo diseño urbano enclavado en el Midtown de Japón en donde se encuentra también el Suntory Museum of Art.

Con este nombre de resonancias neoyorquinas se conoce el gran complejo urbanístico de uso mixto -residencial, comercial, recreativo y de oficinas, recién abierto en el centro de Tokio, a menos de un kilómetro de Roppongi Hills, el otro gran símbolo de este Japón que se resiste a ceder la supremacía económica y cultural de Asia.

Museo Suntory:
El edificio del Museo Suntory diseñado por Tadao Ando en 1994, se encuentra situado en el conjunto Tempozán, que destaca por ser una de las más importantes intervenciones en el Waterfront de Osaka.

Ando diseñó este edificio usando gran variedad de materiales monocromáticos, acero, vidrio y concreto pre-tensado, pero con una iluminación natural impactante, como es su estilo. El museo se caracteriza por sus grandes volúmenes flotantes que hacen que el edificio se abra hacia el mar, a través del diseño de la Mermaid Square (la plaza de la sirena).

El complejo cultural de Tempozán fue encargado por la famosa compañía japonesa de licores Suntory, que permitió a Tadao Ando tratar su tema favorito: la relación entre el hombre, la arquitectura y el mar.

En el primer piso del museo se encuentra el acceso al teatro-cine, a las salas de negocios y la recepción; desde el teatro además puede accederse a una terraza panorámica. En el interior de otro volumen encontramos el restaurante, las galerías de arte y las tiendas. Por último, el volumen que queda es toda una galería con vistas al mar.

La arquitectura del edificio se basa en un volumen en forma de cono truncado invertido, que intersecciona con dos volúmenes prismáticos (el restaurante y la galería). Desde el interior de este cono gigante puede verse el océano y la esfera del teatro que hay en el interior como si fuera una perla del océano.

Omotesando Hills (Tokio):
En el 2006, 20 años después de completado Times I, se terminó el enorme proyecto de regeneración urbana, un conjunto mixto que consta de 130 tiendas y 38 departamentos de vivienda.

El proyecto, iniciado en 1996, nos muestra al Tadao Ando de los 90s. Para entonces ya había ganado numerosos premios de arquitectura, entre ellos el Pritzker, recibía encargos millonarios y estaba al frente de una de las oficinas de arquitectura más importantes del mundo.

Conjuntamente, se construyó la calle Omotesando como el primer boulevard del país, y que desembocaba en un gran Torii que indicaba el acceso al santuario Meiji.

Por la noche el complejo denota la tecnología japonesa, con la iluminación que aporta al paisaje una nueva vision en su estetica.

El Museo del mar Saadiyat (Dubai):
Como si el viento hubiera horadado un prisma rectangular; se modela un vacío que enmarca el encuentro entre el mar y la tierra, para después fundirse en un juego de reflejos.

El espacio interior, diseñado como un barco, se recorre con rampas y plataformas suspendidas. Bajo rasante se sitúa un enorme acuario sobre el que flota un velero.

El Museo Marítimo de Ando está inspirado en el entorno natural de Abu Dhabi y sus tradiciones marítimas. La superficie reflectante de la fachada es la unión perfecta entre mar y tierra.

Con la idea de enfatizar la simpleza de la forma del edificio, el paisaje adyacente está organizado en una cuadrícula. Árboles alineados y pequeñinas zonas ajardinadas crean una especie de oasis que permite a los visitantes integrarse gradualmente antes de entrar en la convulsionada ciudad.

“La línea principal para todas las obras es saber combinar al ser humano y el medio ambiente, solucionar los problemas de la gente y de su entorno y que se utilicen mis edificios con alegría”.

Link relacionado…..

Tadao Ando es un arquitecto que dentro de su pasión poética, se sumerge en la realidad cumpliendo con los canones que dicta la arquitectura contemporánea. Empleando materiales primarios, consigue la gracia de la sencillez del arte en la arquitectura.

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

La Talentosa Arquitecta Zaha Hadid

2009-06-22T21:27:00.009-05:00

Zaha Hadid, una de los mas talentosos profesionales en el área, conocida por sus diseños fluidos, casi hechos de agua.

Zaha Hadid, es una Arquitecta iraquí que nació el 31 de octubre de 1950 en Bagdad (Irak), y antes de estudiar arquitectura en Londres estudió matemáticas en Beirut. Después de graduarse en 1977, en la escuela de arquitectura “The Architectural Association” en Londres, se asoció con Rem Koolhas, quien había sido su profesor. Más adelante estableció su propio estudio de arquitectura en Londres. Durante los años 1980, dio clases en la Architectural Association. Tambien ha dado clases en Harvard, Yale, Columbia y otras importantes universidades. Zaha Hadid es titular de una catedra de arquitectura en la Escuela Superior de Artes Aplicadas de Viena.

A pesar de su nacionalidad Iraquí, ha pasado la mayor parte de su vida en Reino Unido, concretamente en Londres, donde se encentra su estudio de arquitectura. Zaha Hadid ha obtenido varios premios, entre los cuales destacan el Premio Pritzer, siendo la primera mujer en conseguirlo, el Premio de arquitectura contemporánea Mies van der Rohe, la Orden del Imperio Británico por servicios a la arquitectura, y es miembro del grupo editorial de la Encyclopædia Británica.

Ha ganado multitud de concursos de arquitectura y diseño Internacionales.

-The Peak Club, Hong Kong (1983)
-Casa de la Ópera de la Bahía de Cardiff en Gales (1994)
-El plan maestro de Singapur (2002).
-Plan General de Zorrozaurre (2006), Bilbao,España.
-Nuevo casino de la ciudad de Basilea, Suiza.

-The Opus Project, Dubai / Zaha Hadid Architects(2007)
Business Bay, en Dubai. El plan de la zona preveía para la parcela 2 torres, pero Zaha ha propuesto algo de tamaño más reducido, al menos en altura.

El edificio estará situado justo al lado del Burj Dubai, quizá por ello se ha querido dotar al edificio de más singularidad y menos altura.
Se trata de 3 unidades que aparecen aparentemente unidas en el centro de la parcela por una superficie ondulada, como si se tratase de un solo volumen cúbico con el centro derretido por algún líquido corrosivo.

Todo el edificio estará cubierto por una piel de vidrio, y en el caso del hueco interior se tratará de un muro cortina curvado, para el que previsiblemente sea necesario utilizar determinadas piezas de vidrio curvo (famosas por su “módico” precio).

-Expocenter de Moscú (2007).
Consiste en un complejo que generará un nuevo espacio para exposiciones, hotel y residenciales en una de las zonas más pujantes de Moscú, junto al Moscow International Business Center (MIBC), el mayor proyecto de construcción e inversión que se está llevando a cabo en la capital rusa.

El complejo se compone un volumen horizontal y otros dos en altura.
En uno de los extremos se situan los dos volumenes verticales. Su concentración en un solo volumen sin haber aumentado la altura habría producido un edificio demasiado grueso. La arquitecta encargada del diseño, ha preferido dividir en dos, para marcar la esbeltez.
La función principal del edificio horizontal es acojer los halls para exposiciones y los auditorios para conferencias. Al mismo tiempo, el volumen, elevado unos metros sobre el suelo, provee un espacio para albergar eventos al aire libre, pero a cubierto de las habituales precipitaciones de nieve.

Este centro colocará en el mercado más de 26.000 m2 de espacio para exhibiciones en el centro de Moscú, por lo que se le augura una gran demanda para eventos y exposiciones de primer orden a nivel nacional. Los espacios para conferencias consisten en 3 auditorios de diferentes tamaños, que pueden combinarse entre sí.

La base de las dos torres constituye un espacio público a modo de hall principal de entrada a las torres, destinadas a apartamentos y hotel. El proyecto está promovido por Capital Investment, y su construcción comenzará previsiblemente a finales de este año
El hotel se ubica en la torre oeste, hasta la planta 26, y proporcionará a buen seguro bonitas vistas de la ciudad del Moscú, especialmente del distrito de negocios en el que se ubicará. El resto de las plantas de dicha torre, y toda la torre este al completo se dedicarán a usos residenciales. Las torres alcanzarán las 52 y 46 plantas, entre los 200 y 220 metros.

-Torre Lilium, Varsovia, Polonia (2008)
La parcela sobre la que se levantará la Lilium Tower se ubica en el centro de Varsovia, adyacente a la Torre Marriott.

Esta nueva adquisición del skyline de Varsovia es una estructura luminosa y transparente con un fuerte caracter propio, que evidencia la firma de su creadora, la arquitecta anglo-iraquí Zaha Hadid.

La parcela sobre la que se levantará la Lilium Tower se ubica en el centro de Varsovia, adyacente a la Torre Marriott.

El edificio alcanzará una altura de 240 metros y contendrá una superficie total de 101.205 m2, de los cuales más de 72.000 serán comercializables a modo de apartamentos de lujo o apartahotel.

La Torre Lilium albergará además de residenciales un área de spa, tiendas en varias plantas bajo rasante y un centro comercial situado de forma adyacente a la torre, con restaurantes y parking. La parte inferior de la torre albergará un espacio público.

El acceso a los diferentes servicios de la torre se realizará a través de 4 halls diferentes, todos ubicados en la planta baja.

-Museo Guggenheim Hermitage, Lituania(2008): Vilna (Vilnius).

Este nuevo centro de arte albergará piezas de las colecciones Guggenheim de Nueva York y Hermitage de San Petersburgo.

El volumen escultural del museo muestra las señas características conceptuales del diseño de Zaha Hadid: fluidez, movimiento y luminosidad.

El edificio aparece como un objeto flotante que parece desafiar a la gravedad. Sus lineas curvadas contrastan con las rectas habituales del centro de negocios de Vilna, donde se ubica.

El museo pretende ser una manifestación de la nueva significación cultural de la ciudad.
Gran parte de su trabajo ha sido de carácter conceptual, sin embargo, muchos de sus diseños no se construyeron nunca. Entre los proyectos construidos, podemos mencionar:

-Centro de Arte Contemporáneo Rosenthal (1998), Cincinnati, Ohio.
-Hoenheim-North Terminus & Parqueo (2001), Estrasburgo, Francia.
-Plataforma de saltos de esquí Bergisel (2002), Innsbruck, Austria.
-Anexo Ordrupgård (2005), Copenague, Dinamarca.
-Centro de Ciencia Phäno (2005), Wolfsburgo, Alemania.

-Plan General de Zorrozaurre (2006), Bilbao, España.

-Estación de Bomberos Vitra (1993), Weil am Rhein, Alemania.

-Teleférico Nordkettenbahn, Innsbruck, Austria (2007).

La nueva estación del funicular de Innsbruck ( Austria), ha sido diseñada por la arquitecta iraquí.

El diseño se cuida a detalle tanto en el exterior como en el interior, es interesante ver como se integran las dos áreas.

El detalle que destaca en sus estaciones, son las cubiertas de formas curvas, que parecen volar sobre los accesos.

-Centro BMW (2005), Leipzig, Alemania
Este centro administrativo y de comunicaciones combina un moderno diseño con una gran funcionalidad y versatilidad.

El edificio une las areas de producción, proporcionando un atajo en la comunicación de diferentes dependencias.

Ofreciendo espacios comunes para el encuentro entre los trabajadores, o de los trabajadores con los visitantes de la planta.

-Proyecto: Farrer Road, Singapur, Asia (2008).
El complejo estará compuesto por 7 torres de 36 plantas y una docena de villas de lujo. Estará situado en una posición privilegiada dentro del área residencial de Singapur, muy cercano a la Holland Road y la nueva estación MRT.

La ausencia de edificios altos alrededor y su situación harán que a pesar de no tratarse de grandes rascacielos, los edificios que componen este complejo sean visibles en toda la ciudad.

La propuesta de Zaha Hadid parte del estudio de los alrededores. Las lineas constructivas y la ubicación de los nuevos edificios nacen de la prolongación de los principales ejes existentes en las manzanas circundantes.

-Pabellón Puente de la Exposición Internacional Zaragoza (2008).

Una de las obras emblemáticas del recinto de la Expo Zaragoza es el "Pabellón Puente". Como su propio nombre indica, esta construcción ostenta una doble naturaleza.

Por un lado, es un pabellón en el que los visitantes de la Expo pueden observar distintos contenidos, pero a la vez es literalmente un puente sobre el río Ebro que, además sirve para comunicar una de las entradas con el cuerpo de la Exposición Internacional.

Su longitud total es de 260 metros, con una altura máxima de 30 metros, y una anchura que oscila entre 8 y 30 metros, dispone de dos plantas de exposición. Diseñado por la arquitecta Zaha Hadid, quien otorgó a esta obra una forma de gladiolo.

Su trabajo es sobretodo conceptual, basándose en el deconstructivismo sobretodo en arquitectura y diseño de interiores, a pesar de que muchos de sus diseños no se han construido.

Sus conceptos de diseño se consideran de los más importantes en la actualidad a nivel mundial que se enmarca en la estética y diseño deconstructivista, se basa en el diseño no lineal y la manipulación de geometrías no rectilíneas con apariencia caótica.

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

La Das Staatliches Bauhaus, 90 aniversario

2009-06-19T03:40:00.006-05:00

El 90 aniversario:

Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, y creo las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico.

La Fundación Clásica de Weimar presenta este 2009, una exposición dedicada al 90 aniversario del movimiento artístico Bauhaus compuesta por 1200 piezas dentro de un programa de varios actos festivos.

En el marco del programa cultural "Das Bauhaus kommt" ("Llega la Bauhaus") Weimar, exhibirá en varios de sus edificios emblemáticos, como el Museo Goethe, obras de Vasily Kandinsky , Paul Klee y Laszlo Moholy e incluso muebles diseñados por Marcel Breuer cedidos desde museos de París, Madrid, Roma y Nueva York.

La ciudad repasará las distintas vertientes del movimiento desde sus talleres de metal y madera, sus primeras manifestaciones arquitectónicas y sus creaciones de diseño y de pintura. Los tours y eventos descritos los puedes encontrar en la página de Bauhaus 2009.

El Edificio Bauhaus de Dessau (Alemania) mostrará fondos históricos hasta ahora reservados a investigadores de ese movimiento artístico, de cuyo nacimiento se cumple este año el 90º aniversario. Esas piezas incluyen desde cómodas a armarios, sillas y sillones datadas entre 1935 y 1932, que forman parte de los más de 26.000 objetos que conforman el fondo de esos archivos, y se exhibirán en la antigua cervecería que forma parte del complejo de los archivos.

La exhibición de esas piezas coincide con la inauguración de una nueva exposición permanente en las antiguas estancias educativas del inmueble titulada Bauhaus Dessau-Taller del Modernismo, que incluirá, entre otros elementos, un vídeo de 20 minutos que explicará la historia del movimiento.

El acondicionamiento de ambas salas de exhibición ha supuesto una inversión de un millón de euros, especialmente para la adaptación de las condiciones para la conservación de las piezas inéditas hasta ahora, que sólo podrán visitarse en grupos de diez personas acompañados por dos empleados de los archivos.

A estas exposiciónes, les seguirá en verano una gran retrospectiva sobre la Bauhaus en Berlín , que se exhibirá en el museo Martin Gropius Bau. Emblema de los conceptos arquitectonicos de la escuela, y diseñado por Walter Gropius.

La muestra berlinesa , que podrá visitarse del 21 de julio al 4 de octubre, tendrá unos mil objetos, procedentes de colecciones de todo el mundo, y viajará posteriormente al Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).

Publicado por:
Arq. Emilio R. Covelo.

La Das Staatliches Bauhaus

2009-06-19T02:25:00.015-05:00

La "Das Staatliches Bauhaus":

Fue una escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en, Weimar (Alemania).

Los orígenes del movimiento "Bauhaus", se establecen en la creencia de una reforma de la educación artística, sería vital por motivos económicos para los alemanes. Ya que los alemanes tenían menor disponibilidad de materia prima que Estados Unidos o Gran Bretaña, y basaron su fuerza de trabajo en su habilidad de exportar bienes sofisticados y de alta calidad.

Gropius en su papel de director de la Sächsischen Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios) y de la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst (Escuela Superior de Bellas Artes), decide fusionarlas en una sola Escuela que combinara los objetivos académicos de cada una y a la cual se le agregaría una sección de arquitectura.

Walter Gropius llamó a la nueva escuela "Das Staatliches Bauhaus", y se abrió el 12 de abril de 1919, en una época en que Alemania se encontraba en un estado de gran efervescencia, donde se manifestava, una violenta lucha económica, política y cultural.

El mismo complejo de edificios construido en Dessau, para la escuela en su segunda etapa, representa los valores de "La Bauhaus".

Se estableció la filosofía de la nueva escuela:

¡Arquitectos, escultores, pintores, todos debemos volver a la artesanía! Pues no existe un arte como profesión. No existe ninguna diferencia esencial entre el artista y el artesano.

El artista es un perfeccionamiento del artesano. La gracia del cielo hace que, en raros momentos de inspiración, ajenos a su voluntad, el arte nazca inconscientemente de la obra de su mano, pero la base de un buen trabajo de artesano es indispensable para todo artista. Allí se encuentra la fuente primera de la imaginación creadora.

¡Formemos pues un nuevo gremio de artesanos sin las pretensiones clasistas que querían erigir una arrogante barrera entre artesanos y artistas!

Deseemos, proyectemos, creemos todos juntos la nueva estructura del futuro, en que todo constituirá un solo conjunto, arquitectura, plástica, pintura y que un dia se elevara hacia el cielo de las manos de millones de artífices como símbolo cristalino de una nueva fe.

La construcción completa es el objetivo de todas las artes visuales. Antes, la función más noble de las bellas artes era embellecer los edificios, constituían componentes indispensables de la gran arquitectura. Hoy las artes existen aisladas… Los arquitectos, los pintores y escultores deben estudiar de nuevo el carácter compositivo del edificio como una entidad… El artista es un artesano enaltecido.

Gropius buscó una nueva unidad entre el arte y la tecnología:

Reconociendo las raíces comunes tanto de las bellas artes como de las artes aplicadas, ya que él se adhirió a la generación de artistas con el fin de resolver los problemas de diseño visual creados por el industrialismo.

Sus enseñanzas partian de un plan de estudios, elaborado para la integracion de las artes.

Los primeros años de la Bauhaus están impregnados de un fuerte espíritu comunitario. Tanto alumnos como profesores colaboraban para la construcción de la "catedral del futuro".

Aunque esta visión utópica no impedía que se aceptaran encargos de muebles, objetos o tapices que acercaban la realidad productora a la Escuela y donde se cimentó la importancia y el mérito de la misma.

Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador.

Etapas:

Uno de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación.
" La forma sigue a la función"

(Fabrica de Zapatos Zagus)

El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "de la construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.

(Escuela en Dessau,Walter Gropius)

La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.

En Berlin, la escuela sufrió por el acosante crecimiento del Nacional Socialismo, la ideología "Bauhaus", era vista como socialista internacionalista y judía. Los Nazis cierran la escuela, fue clausurada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.
Muchos de los integrantes de la misma entre ellos el mismo Walter Gropius, refugiados, se instalan en Estados Unidos para seguir con sus ideales.

"La Escuela Bauhaus" durante su corta vida se asento en tres ciudades:

– Weimar 1919 – 1925

– Dessau 1925 – 1932

– Berlin 1932 – 1933

Estuvo manejada por tres Directores:

– Walter Gropius 1919 – 1927

– Hannes Meyer 1927 – 1930

– Mies van De Rohe 1930 – 1933

Herencia de "La Bauhaus":

Sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico.

Puede decirse que antes de la existencia de "La Bauhaus" estas dos profesiones no existían, tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela.

Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna.

Incorporo una nueva estética que abarcara todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt).

Dada su importancia, las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en el año 1996.

Escribir un artículo que conforme todo lo que significa "La Bauhaus", podría llevarnos mucho tiempo........

Sin embargo, ¡Lo más importante! son los conocimientos, diseños y seguidores, que perduran en torno a su filosofía y sus conceptos.

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

Design It: Shelter Competition

2009-06-16T02:47:00.005-05:00

Bajo el nombre de "Design It: Shelter Competition".
El Museo Guggenheim de N.Y. y la firma tecnológica Google. Lanzaron el lunes 8 de junio, un concurso, inspirado en la obra de Frank Lloyd Wright, que promuebe, a diseñar espacios en tres dimensiones donde vivir y trabajar.

Coincidiendo con el cumpleaños de Lloyd Wright (1867-1959), el arquitecto que hace cincuenta años diseñó el museo neoyorquino.

El concurso busca:
Que los arquitectos, ya se trate de profesionales, estudiantes o aficionados, presenten proyectos tridimensionales de espacios de poco más de nueve metros cuadrados en los que se pueda vivir y también trabajar.

Los participantes podrán presentar sus proyectos hasta el próximo 23 de agosto.
Los cuales tendrán que crear con el programa Google SketchUp, y que, antes de diseñarlos, deberán ubicar en cualquier punto del planeta a través de la aplicación Google Earth.

Aidan Chopra:
"Google SketchUp" permite a cualquiera crear y compartir diseños tridimensionales de cualquier objeto que se pueda imaginar", creador del producto de Google, quien destacó que "este concurso único permite unir a todos los usuarios" del producto a través de Internet.

Design It: Shelter Competition:
Forma parte de las iniciativas con las que el Guggenheim celebra el medio siglo de historia de su conocido edificio en la Quinta Avenida de Nueva York.

"Uno de nuestros objetivos más importantes durante la celebración del 50 aniversario del Guggenheim es hacer que el público de todo el mundo entienda y aprecie el arte y la arquitectura a través de nuestras iniciativas", precisó el director de la Fundación Solomon Guggenheim, Richard Armstrong.

El resultado de la competencia:
Se dara a conocer el próximo 21 de octubre, el día en que se cumple el 50 aniversario del Guggenheim N.Y., cuando se anuncien los ganadores de dos galardones, el concedido por un jurado de expertos y otro otorgado por el público mediante una votación que se llevará a cabo a través de Internet.

Si te interesa participar, enlazate al siguiente Link.
Museo Guggenheim.

Publicado por:
Arq. Emilio R. Covelo.

¡Detenida! la construcción de grandes rascacielos en el mundo.

2009-06-09T22:27:00.008-05:00

La construcción de rascacielos es un símbolo:

De la riqueza económica de naciones y empresas que buscan destacar con nuevas joyas arquitectónicas y récords de altura.

Pero para algunos economistas también son la calma que antecede a la tormenta, anunciando nuevas crisis económicas.

Las noticias sobre nuevos rascacielos impresionantes no paran de sucederse. Llegan de todas partes del mundo y ostentan al título de maravilla arquitectónica mundial. Pero no todo es oro lo que reluce. La revista de diseño Oobject ha recopilado hasta quince rascacielos que todavía duermen en la mesa de los grandes estudios de arquitectura. Entre todos éstos podemos encontrar cancelaciones y fracasos declarados antes de poner el primer ladrillo. Papel mojado de la más alta arquitectura.

Las obras del Chicago Spire:

El que iba a ser el edificio más alto del mundo diseñado por Calatrava, han sido suspendidas, incluso después de haber sentado los cimientos y empezado las obras.

Con la obra parada, solo se puede observar el gran agujero para su desplante y cimentación.

La misma suerte.

Han padecido los grandes rascacielos que tenían previsto construir en Dubai. Ni el lujoso paraíso financiero de los Emiratos Árabes se ha librado de la crisis del ladrillo. De momento, ha quedado cancelada la construcción de las Dancing Towers, del Burj Al Alam y de las conocidas Dubai Towers, paraísos arquitectónicos de auténtico vértigo.

Tampoco se han salvado del fracaso:

Nueva York, Moscú, Santiago de Chile o Londres. La mayoría de edificios que se habían proyectado, eran demasiado ostentosos y sobrecargados. Por no hablar de inventos como la Gwanggyo Power Centre o del rascacielos verde que quieren construir en la zona cero de Nueva York.

La reflexión es obligada.

Y es que ya va siendo hora de apartar a un lado los proyectos utópicos de los arquitectos para ponerse a trabajar con los pies sobre la tierra. De momento, se encuentran en la etapa de edificios fallidos para la posteridad.

Un indicador sorprendente, fruto del trabajo de los economistas Andrew Lawrence y Mark Thornton.

En sus estudios parece demostrarse que existe una correlación entre ambos factores, de forma que en épocas de crisis económica ha sido siempre usual la proliferación de anuncios de construcción de edificios que intentaban superar en altura a los ya existentes.

Se pueden identificar varios momentos en la historia, tal como lo cuenta Luz María Zambrana:

El primero ocurrió entre 1904 y 1909, cuando el Edificio Singer se alzó como el más alto en 1908 para luego ser superado por el Edificio Metropolitan Life el año siguiente. Ambos fueron terminados en medio de El Pánico de 1907, una de las mayores crisis financieras vividas por EE.UU.

Otro ejemplo son los edificios que marcarían nuevos récords de altura anunciados a fines de los años 20, en pleno auge del mercado de capitales. El edificio de Manhattan Company en el 40 de Wall Street (hoy Edificio Trump), el Chrysler y el Empire State fueron los heraldos de la Gran Depresión.

El tercer gran ciclo ocurrió 40 años después. Nuevamente el mundo vivió una expansión en la década anterior para entrar en 1970 en una fase de recesión y alta inflación que se denominó “stanflación”. Paralelamente, tanto en Chicago como en Nueva York se edificaba una serie de rascacielos que establecería nuevas marcas: Las Torres Gemelas y la Torre Sears.

En las economías de Asia-Pacífico tuvo lugar el cuarto auge en la construcción de edificios. Las Torres Petronas terminadas en 1997 fueron símbolo del milagro económico de Malasia. Sin embargo, ese año comenzó la Crisis Asiática.

“Ahora estaríamos viviendo el quinto boom con la nueva generación de rascacielos que están en construcción no sólo en los países árabes, sino desde China hasta Brasil”, afirma Thornton.

El propio autor, por lo visto, reconoce que ha habido otros momentos de dificultad económica en los que el patrón "rascacielos" no aparece. Aun así, resulta ciertamente curioso, a la vista de los acontecimientos actuales y de la profusión de nuevos proyectos arquitectónicos que surgen casi diariamente.

El ...Índice Rascacielos...

No significa que el tamaño de los edificios debe limitarse para que no haya crisis o que debe ser usado como guía para la política monetaria, afirma Mark Thornton en un estudio sobre la relación de los ciclos económicos y las edificaciones de gran tamaño.

Lo que sí sugiere es que ...

La causa tanto de que las construcciones alcancen nuevas alturas como de los ciclos económicos severos, está relacionada con la inestabilidad en la deuda financiera y que las instituciones que la regulan deben ser reevaluadas, o incluso remplazadas por otras más eficientes y estabilizadoras..., concluye el economista.

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

La competencia por el edificio mas alto del mundo!!!

2009-06-09T19:57:00.009-05:00

Las ciudades actualmente compiten por tener el edificio más alto del mundo.

Los hombres, desde tiempos inmemoriales, han soñado con tocar el cielo. La fascinación por lo extremadamente alto es tan antigua como nuestra historia.

Posiblemente porque representa el Poder:

En el desarrollo tecnológico o economico, o tal vez el aprovechamiento de espacio, o quizas optimizar la inversión de compra en terrenos costosos, o simplemente crear un icono mundialmente reconocido.

Si se realiza una comparativa:

Entre el rascacielos Empire State, construido en Nueva York en 1931, y las Torres Petronas, finalizadas en Kuala Lumpur en 1998, hay un dato que llama la atención.

En 67 años, el techo del mundo, en cuanto a altura de edificios se refiere, sólo había crecido 71 metros.

Esto se debe a que la mayoría de las estructuras de los grandes rascacielos están formadas por un núcleo central, más o menos rígido, alrededor del cual se construye el edificio. El problema es que, cuanto más alto es el rascacielos, más grande es el núcleo central, pues tiene que soportar mayor empuje del viento. Por ejemplo, en las Torres Petronas, el 60 por ciento está ocupado por estructuras y sólo tienen libre el 40 por ciento de lo construido.

La torre Burj Dubai.

Es el edificio que se está construyendo en la ciudad de los Emiratos Árabes Unidos. Esta portentosa torre, que será cuando se finalice la más alta del mundo, también pretende ser una “miniurbe” dentro de Dubai, y la planta del edificio, que tiene forma de “Y”, está inspirada “en la flor de un tipo de hymenocallis que crece en el desierto”.

SOM (Skidmore, Owings & Merrill).

La empresa constructora, sólo aseguran que alcanzará la cima del mundo, su altura rondará los 800 metros. Las razones de tanto misterio parecen ser dos: una lógica prudencia (pues no se ha construido nunca un edificio por encima de los 509 metros) y el temor a que otras iniciativas incorporen elementos para intentar superarla.

Si no hay ningún tipo de retrasos, se acabará de construir en 2009 y entonces acaparará el récord en las cuatro categorías reconocidas por el Consejo de Edificios Altos y Hábitat Urbano.

Estas cuatro categorías son: altura total de la estructura; altura del piso más alto ocupado; altura del techo más alto y altura con antena.

La página de la revista “SkysCraper”.

Nos enseña una excelente colección de los edificios más altos en el mundo. Es interesante la forma en la que los presenta.
Con imágenes individuales, lo hace de manera grafica y exponen sus características más importantes, con un comparativo de los mismos.

Les recomiendo visitar la página para que vean completo el gráfico.
(Click en las imágenes)

Los rascacielos más altos del mundo en construcción:

Los rascacielos mas altos del mundo:

Para la creación de estos edificios también se requiere de la participación activa de muchas personas, creando con esto una derrama económica, y una activación de la economía nacional.

Un edificio grande, además de permitir que más personas trabajen o vivan ahí, también ofrece un atractivo turístico y muchas personas pagarán por visitarlo.

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

Calatrava ¿Arquitecto o Ingeniero?

2009-06-09T01:34:00.017-05:00

Hablar de Calatrava es difícil, ha definido claramente la mezcla entre los postulados artísticos y estéticos, tan esenciales para los arquitectos e ingenieros, en sus diferencias relativas entre, lo estructural y lo funcional.

El arquitecto español, Santiago Calatrava Valls, nació en 1951 en Valencia, en el barrio de Benimamet. A los ocho años, ingresó en una escuela de arte para aprender dibujo y pintura, actividad que compaginó con sus estudios escolares. Estudió Arquitectura en la universidad Politecnica de Valencia, donde también realizó un curso de post-graduado en urbanismo.

En 1975 se trasladó a Zúrich para ampliar su formación. Allí estudió durante cuatro años ingeniería civil en el Instituto Federal de Tecnología y trabajó como profesor auxiliar en ese Instituto.

Comenzó a trabajar en pequeños encargos y poco a poco fue participando en concursos de nuevos proyectos. En 1983 le fue adjudicado uno de sus primeros proyectos importantes, la Estación de Ferrocarril de Stadelhofen, situada junto al centro de Zúrich.

La Estación de Ferrocarril de Stadelhofen (1983-1990)
Uno de sus primeros proyectos.La construyó en colaboración con Arnold Amsler y Wener Rüeger. Los elementos más significativos de la obra son el paseo-mirador, la marquesina de las vías y la galería comercial subterránea, que se encuentra bajo las vías.

Tiene oficinas de arquitectura en Zurich, París y Valencia. Es Doctor Honoris Causa por la universidad politecnica de Valencia y en el campus hay una calle que lleva su nombre. Para algunos es uno de los mas importantes arquitectos del mundo y, sin duda, un genio de la arquitectura contemporánea, aunque hay todo tipo de opiniones sobre sus construcciones, lo importante es que no dejan a nadie indeiferente.

Calatrava ha establecido el nexo entre forma y estructura mediante una visión propia. Su obra, es una síntesis muy personal y de enorme expresividad formal.

Santiago Calatrava concibe cada proyecto como una obra viva donde todas las partes que la componen están relacionadas. Da gran importancia al efecto dinámico, al concreto y al acero como materiales de construcción. Se inspira en la naturaleza y en los esqueletos humanos. Arquitectura e ingeniería se funden en sus obras hasta tal punto que resulta imposible dividirlas.

Calatrava aparecerá en la historia, como el siguiente eslabón de la tradición estructuralista, completando la estela de Robert Maillart, Christian Menn, Félix Candela, Jean Prouvé, Hugo Stubbins y Pier Luigi Nervi. Comparado permanentemente con Antoni Gaudí, cuya huella en el valenciano es innegable, son también muchas las referencias de maestros contemporáneos -Alvar Aalto, Hans Scharoun, Eero Saarinen, Jørn Utzon y Kenzo Tange- que le servirán de inspiración y a los que hará una lectura, no mimética, en clave postmoderna.

Principales obras de Santiago Calatrava.

Exposición Universal de Sevilla ´92

Para la Exposición Universal de Sevilla ´92, Calatrava levanta el Puente del Alamillo.

Se trata de un mástil o torre inclinada hacia atrás de la que parten los tirantes que sujetan la plataforma.

En el mismo recinto de La Cartuja realiza el Pabellón de Kuwait, un edificio de gran limpieza espacial y estructural. Se divide en una planta inferior para exposiciones, una superior, que es la plaza pública y una simbólica cubierta móvil que se abre al Universo.

El Puente Peatonal del Campo de Volantín.

Se encuentra en Bilbao, sobre la ría del Nervión. También se le conoce como El Zubizuri, que en euskera significa puente blanco, ya que está pintado de blanco, rasgo característico de Calatrava.

Consiste en un arco inclinado que une dos plataformas, con rampas de acceso y escaleras en ambas orillas y que sostiene la estructura peatonal con cables de hierro. El piso es de vidrio, por lo que requiere bastante mantenimiento.

El Puente de la mujer en Argentina.

Este puente peatonal y giratorio es la primera obra del arquitecto e ingeniero valenciano Santiago Calatrava que se construye en América latina.

Tiene 160 metros de largo y seis de ancho. Su mástil metálico se eleva 39 metros.

El puente, con un peso aproximado de 800 toneladas, está preparado para moverse cada vez que una embarcación necesita pasar.

Aeropuerto de Bilbao.

Dirigió en Bilbao el proyecto de la renovación del Aeropuerto. Predomina el color blanco, el vidrio y el concreto(hormigon), y su aspecto exterior se asemeja a un ave emprendiendo el vuelo.

Por este motivo, se le ha llamado popularmente con el nombre de La Paloma.

La nueva torre de control la diseñó con forma de halcón.

Torre de Montjuïc.

Es una de sus obras más originales. Se encuentra en Montjuïc, Barcelona.

Está realizada en acero blanqueado con forma de antorcha olímpica.

Sus 120 metros de altura la convierten en el elemento señalizador clave del Anillo Olímpico.

La estación de tren para el TGV.

Junto a la pista del aeropuerto de Lyón .Construida con objeto de acoger los trenes de alta velocidad, como nodo de enlace con el aeropuerto de Satolas.

La terminal de Calatrava, con su forma de pájaro, es uno de los proyectos más espectaculares de este ingeniero-arquitecto español que se inspira en la naturaleza para crear nuevos diseños arquitectónicos. Aunque el diseño de esa sensación de ave en vuelo Calatrava diseño está obra inspirado más por la forma del ojo humano.

El perfil más llamativo del edificio, esta basado en dos arcos de acero convergentes de 120 metros de largo y 40 metros de alto.

Una de sus obras mas emblemáticas.

El Mueso de las Ciencis de Valencia.

Es el museo de Ciencia mas visitado de Europa.

La Ciutat de les Artes i les Ciències.

Es un complejo integrado por varios edificios - L'Hemisfèric, El Museu de les Ciències Príncipe Felipe, L'Umbracle, L'Oceanogràfic, Palau de les Arts Reina Sofía. Fue diseñado por Santiago Calatrava y Félix Candela. Como se puede comprobar, es una obra maestra de la arquitectura contemporánea, aunque recientemente ha recibido duras críticas según las cuals carece de utilidad.

Otras obras a destacar son:

El Centro Internacional de Ferias y Congresos en Santa Cruz de Tenerife.

Concebido como un edificio polivalente que permite acoger los principales acontecimientos que tienen lugar en la isla.

En esta misma ciudad también proyectó el Auditorio, expresion de su sello personal.

Este representa tambien la genialidad y el gusto por lo complejo que refleja Calatrava en sus estructuras.

El Museo de Arte de Milwaukee, Wisconsin.

Las alas cierran y abren dos veces cada día.

El museo por si solo es una obra de arte, que se ha convertido en un icono de esta ciudad, bello por donde lo miren….

Lleno de luz, espacios maravillosos que invitan a disfrutar increíblemente de la experiencia de la visita.

En las últimas décadas, Calatrava ha proyectado infinidad de obras y también una larga serie de más de 40 puentes: Bach de Roda, Flüelen, Bilbao, Londres, Kromprinzen (Berlín), Lusitania (Mérida), La Devesa en Ripoll (Gerona), Alamillo (Sevilla), Manrique (Murcia), Buenos Aires, Venecia...

Muchos de ellos son gigantescas esculturas (arcos, liras, mástiles, formas y esquemas zoomórficos...) convertidas en pasarelas o puentes mediante cambios de escala, capaces de definir esa nueva y colosal monumentalidad que lo caracteriza y que le ha generado el reconocimiento del gran público.

Sin embargo, pese a su indiscutible éxito, al valenciano siempre le han llovido las críticas, muchas veces virulentas, desde la ingeniería: por su formalismo gratuito, por su irreverente desmesura, por su excesiva repetitividad, por su constante desprecio de la economía y, sobre todo, por sus permanentes simulacros y falacias estructurales.

Por otro lado, la ausencia de criterios tan necesarios como los de sostenibilidad y ahorro energético y su escasa capacidad de integración y adaptación al contexto, le han hecho perder en los últimos años buena parte del favor de la crítica internacional.

Con todo, por su extraordinaria aportación creativa y por legarnos algunas obras maestras, ha conseguido ya un lugar en la historia de nuestra arquitectura contemporánea.

Publicado por:
Arq. Emilio R. Covelo.

Premio de Arquitectura Contemporánea 2009 Mies van der Rohe

2009-06-06T02:25:00.009-05:00

La Ópera y El Ballet Nacional de Noruega.
En Oslo, de Snøhetta es la obra ganadora del premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europa - Premio Mies van der Rohe 2009.

(Click en las imagenes para ampliar)

El Premio, con una dotación de 60.000 € y el apoyo de la Unión Europa, uno de los más importantes y prestigiosos en el ámbito de la arquitectura internacional, se otorga de forma bienal a obras completadas en los dos años anteriores.

La Comisión Europea.

Destaca el papel de la arquitectura como motor de creatividad e innovación, abre la cultura al público más allá de las fronteras nacionales y resalta la aportación de los profesionales europeos al desarrollo de nuevas ideas y tecnologías que influyen en la vida cotidiana de los europeos.

Este edificio emblemático realizado por el estudio (Noruego) Snøhetta.

Es el mayor centro cultural construido en Noruega en los últimos 700 años. El tejado de piedras inclinadas -compuesto por 36.000 piezas encajadas, se levanta del fiordo; permite que el público, los residentes y los asistentes a la ópera anden por encima del edificio, lo que crea una relación con la estructura pública.

La nueva Opera.

Fruto del concurso internacional del año 2002, abrio sus puertas en abril del año 2008. Se trata de un edificio de 38500 m², con una capacidad de 1350 espectadores en la sala principal, 400 asientos en una sala mas pequeña y mas de 100 recintos para programas complementarios.

Su característica mas distintiva es la rampa que rodea la sala principal y el foyer. Que recorre el edificio desde la base a orillas del fiordo, hasta transformarse en su techo. Esta rampa esta abierta al espacio publico, y se transforma en un mirador que relaciona la ciudad con su paisaje circundante.

El acceso del publico.

Tanto a la rampa como al interior del edificio, se hace por el frente que da al mar; hacia la ciudad se localizan los espacios de producción, cuyo perfil toma las alturas existentes hacia ese lado.

Se contrastan los acabados en los revestimientos principales.

En la rampa, piedra blanca trabajada en distintas texturas y el ala de producción esta revestida en placas metálicas con tambien texturizada.

El nuevo edificio de la ópera y el ballet es el primer elemento de la transformación de la zona de la bahía de Oslo con el objetivo de volver a conectar la ciudad con su frente marítimo.

En el espacio interior.

Consta de 1.000 m², que está revestido con carpintería fina (aplicando los sistemas tradicionales de los constructores de barcos noruegos), encontramos numerosas obras de arte entrelazadas con el tejido estructural, incluido un guardarropa, una obra realizada en colaboración con Olafur Eliasson, uno de los realizadores del Pabellón Serpentine, 2007.

“La Ópera y el Ballet Nacional Noruego de Oslo, es más que un simple edificio. En primer lugar, es un espacio urbano, un regalo para la ciudad. El edificio se puede considerar un catalizador de todas las energías de la ciudad y es un emblema de la regeneración de su tejido urbano.”

The Oslo Opera House in HD from runaro on Vimeo.

El estudio Snohetta.

Cuenta con la participación de los arquitectos Kjetil Trodal Thorsen, Tarald Lundevall y Craig Dykers, que ya realizaron en el 2002 la Biblioteca de Alejandria.

Siguiendo los patrones de diseño de la perdida biblioteca antigua.

Hoy en día, la actual Biblioteca de Alejandría es una de las edificaciones más notorias del moderno Egipto.

“Snøhetta considera que el Premio Mies van der Rohe es uno de los más prestigiosos reconocimientos mundiales a la arquitectura. Estamos muy agradecidos por haber recibido el premio por la Ópera y Ballet Nacional de Noruega.”

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe.

2009-06-06T02:19:00.003-05:00

La Fundación Mies van der Rohe fue creada en 1983

Por el Ayuntamiento de Barcelona, con el objetivo inicial de llevar a cabo la reconstrucción del Pabellón Alemán, diseñado por Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929.

El Premio de Arquitectura Conmtemporánea de la Unión Europea.

Premio Mies van der Rohe o Premio Mies Van der Rohe es un premio de arquitectura concedido por la Unión Europea y la Fundación Mies Van Rohe de Barcelona cada 2 años desde 1988.
Es considerado uno de los premios de la Arquitectura Contemporánea mas importantes en la Union Europea. Este galardon para el proyecto ganador, consta de 60.000 euros y una escultura que evoca el Pabellón Alemán de Mies van der Rohe.

El Premio es una iniciativa conjunta de la Comisión Europea y la Fundación Mies van der Rohe.

Los objetivos principales de este premio son reconocer y elogiar la excelencia en el ámbito de la arquitectura y destacar la importante aportación de los profesionales europeos al desarrollo de nuevos conceptos y tecnologías. El Premio pretende fomentar la arquitectura de dos formas significativas: estimulando una mayor circulación de los arquitectos profesionales por toda la Unión Europea y ayudando a jóvenes arquitectos en el inicio de sus trayectorias.

http://www.miesarch.com

Lista de ganadores:

1988 Álvaro Siza – Portugal - Banco Borges e Irmão - Vila do Conde (Portugal)
1990 Sir Norman Foster - Nueva terminal del Aeropuerto de Stansted
(Londres, Reino Unido)
1992 Esteve Bonell y Francesc Rius - España - Pabellón Olímpico (Badalona, España)
1994 Nicholas Grimshaw & Partners - Reino Unido - Estación ferroviaria de Waterloo
(Londres, Reino Unido)
1996 Dominique Perrault - Francia - Biblioteca Nacional de Francia (París, Francia)
1998 Peter Zumthor - Suiza - Museo de Arte Bregenz (Austria)
2001 Rafael Moneo - España - Kursaal (San Sebastián, España)
2003 Zaha Hadid - Iraq / Reino Unido - Aparcamiento y Terminal Hoenheim Norte
(Estrasburgo, Francia)
2005 Rem Colas - Países Bajos - Embajada de los Países Bajos (Berlín, Alemania)
2007 Emilio Tuñón y Luis Moreno Mansilla – España - Musac (León, España)
2009 Snøhetta – Noruega - Ópera y ballet de Oslo (Oslo, Noruega)

Mención especial arquitecto emergente, este premio está dotado con 20.000 euros y una escultura que evoca el Pabellón.

2001: Centro de Distribución Kaufmann Holz AG - Bobingen - Alemania - Florian Nagler
2003: Ayuntamiento de Scharnhauser Park - Ostfildern -Alemania - Jürgen Mayer H.
2005: BasketBar - Utrecht - Países Bajos - NL Architects / Pieter Bannenberg - Walter van
Dijk, Kamiel Klaasse, Mark Linnemann.
2007: Department of Mathematics, Faculty of Physics and Mathematics, Ljubljana,Slovenia / Bevk Perovic arhitekti.
2009: Gymnasium 46° 09' N / 16° 50' E - Studio UP / Lea Pelivan, Toma Plejic .

Comité asesor :

Arc en rêve centre d'architecture, Burdeos
Architecture Foundation, Londres
Architektur Zentrum Wien, Viena
Berlage Institute, Rotterdam
Biennale di Venezia, Venecia
Dansk Arkitektur Center Gammel Dok, Copenhage
DESSA, Liubliana
Deutsches Architektur - Museum, Frankfurt
EUROPAN, París
Institut français d'architecture, París
Nederlands Architectuurinstituut, Rotterdam
Suomen Rakennustaiteen Museo, Helsinki
Triennale di Milano, Milán

Peter Zumthor Premio Pritzker 2009

2009-06-02T03:46:00.007-05:00

Peter Zumthor (Basilea, 26 de abril 1943) es un arquitecto suizo.
(Click en las imagenes para agrandar)

“La fuerza de un buen proyecto reside en nosotros mismos y en nuestra capacidad de percibir el mundo con sentimiento y razón. Un buen proyecto arquitectónico es sensorial. Un buen proyecto arquitectónico es racional”.

"Ser galardonado con el Premio Pritzker es un reconocimiento maravilloso del trabajo arquitectónico que hemos hecho en los últimos 20 años. Que un trabajo tan pequeño como el nuestro sea reconocido en el mundo profesional nos hace sentir orgullosos y debería dar mucha esperanza a los jóvenes profesionales, ya que si buscan la calidad en su trabajo se harán visibles sin ningún tipo de promoción especial".

Premio Pritzker 2009 el jurado declaro ganador de dicha distinción al arquitecto suizo “Peter Zumthor”. Entre los motivos para otorgarle el “Pritzker 2009” destacan los siguientes: “Su arquitectura expresa respeto por la primacía del lugar, el legado de una cultura local y las lecciones inestimables de la historia arquitectónica”.

El galardón fue entregado en una ceremonia que tubo lugar el 29 de mayo de 2009 en Buenos Aires, Argentina. Aunque Zumthor ha desarrollado la mayor parte de su trabajo en Suiza, también ha diseñado proyectos en Alemania, Austria, Holanda, Inglaterra, España, Noruega, Finlandia y EE UU.

Su trabajo más famoso está en Vals, Suiza. Se trata de unos baños termales con Hotel, Restaurante y SPA, considerada por la crítica como su "obra maestra".

Sus termas de Vals son desde 1998 edificio protegido por el cantón de Graubünden y constituye uno de los mayores logros de la arquitectura suiza contemporánea.

En palabras de Peter Zumthor: "Montaña, piedra, agua".

"Construir en la piedra, construir con piedra, dentro de la montaña, construir de la montaña, estar dentro de la montaña".

¿Cómo pueden ser interpretadas arquitectónicamente las implicaciones y la sensualidad asociadas a estas palabras?

Todo el concepto ha sido diseñado siguiendo estas preguntas, y así ha ido tomando forma paso a paso".

En Alemania (Colonia) el museo Kolumba.

Conjugando la fusion de lo existente con lo nuevo.

La esencia de su arquitectura está en la experiencia de las texturas, el juego de la luz, la celebración de la manualidad y la kinestesia de los espacios.

En el proyecto se tomo en cuenta la base de lo existente, para desarrollar los planos y asi conserva su esencia.

La sala de las ruinas antiguas nos lleva a la mistica del concepto, que expresa Zumthor.

El Museo de Arte de Bregenz le dio en 1998 el premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe.

El manejo del vidrio es radical en este proyecto, donde busca expresar el maximo concepto de modernidad.

Vi dri, madera y concreto manejado en sus formas puras, le dan un ambiente minimalista en su interior.

Peter Zumthor se formó como ebanista antes de pasar a la arquitectura, que estudió en Suiza y Nueva York. En 1979 se instaló en la región suiza del Grisón. La esencia de su arquitectura está en la experiencia de las texturas, el juego de la luz, la celebración de la manualidad y la kinestesia de los espacios, según escribe Richard Ingersoll. "Cada uno de sus trabajos toca extremos en la eliminación de lo superfluo creando una paradoja: una arquitectura de materiales puros y espacios continuos que es a la vez imposiblemente sencilla, aunque envolventemente misteriosa".

Obras representativas:

-1983 Escuela elemental Churwalden, Churwalden, Cantón de los Grisones, Suiza.
-1983 Casa Räth, Haldenstein, Graubünden, Suiza.
-1986 Edificio para albergar restos arqueológicos romanos, Chur, Cantón de los
Grisones, Suiza.
-1986 Estudio Zumthor, Haldenstein, Cantón de los Grisones, Suiza.
-1989 Capilla de San Benito, Sumvitg, Cantón de los Grisones, Suiza.
-1990 Museo de arte de Chur, Chur, Cantón de los Grisones, Suiza.
-1993 Residencia para la tercera edad, Masans, Chur, Cantón de los Grisones, Suiza.
-1994 Casa Gugalun, Versam, Cantón de los Grisones, Suiza.
-1996 Spittelhof housing, Biel-Benken, Cantón de Basilea-Campiña, Suiza.
-1996 Termas de Vals, Vals, Cantón de los Grisones, Suiza.
-1997 Museo de Arte de Bregenz, Bregenz, Vorarlberg, Austria.
-1997 Topography of Terror, International Exhibition and Documentation Centre,
Berlin,Alemania, construido parcialmente, abandonado, demolido en 2004.
-1997-2000 Pabellón de Suiza para la Exposición 2000, Hannover, Alemania.
-1997 Villa en Küsnacht am Zürichsee Küsnacht, Suiza.
-1997 Lichtforum Zumtobel Staff, Zürich, Suiza.
-1997-2000 Museo diocesano de Kolumb, Colonia, Alemania.
-1999 Cloud Rock Wilderness Lodge Moab.
-2007 Bruder Klaus Kapelle imágenes

Premios a lo largo de su carrera:

-1989: Medalla de Oro Heinrich Tessenow
-1998: Premio Calberg Architecture
-1998: Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe
-2000: Royal Institute of British Architects (miembro honorario)
-2008: Praemium Imperiale de Japon
-2009: Premio Pritzker

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

Uno de los premios mas importantes en la Arquitectura Moderna

2009-06-02T01:22:00.006-05:00

El Premio Pritzker de arquitectura es un reconocimiento dado anualmente por la fundación estadounidense Hyatt.

Fue establecido en 1979 por la familia Pritzker, el clan con sede en Chicago al que pertenece la cadena de hoteles Hyatt, como un medio de honrar a un arquitecto vivo cuyas obras, entre otras cosas, produzcan "consistentes y significativas contribuciones a la humanidad".

Se entrega anualmente a un arquitecto en vida de cualquier país, que haya mostrado a través de sus proyectos y obras las diferentes facetas de su talento como arquitecto. Ciertamente una de las cualidades que es requisito para obtenerlo es la demostración de un alto nivel de creatividad en el pensamiento de dichas obras. Las obras además deben de ser funcionales y de buena calidad en construcción.

El premio consta de una medalla que tiene inscrita las características con las que un espacio arquitectónico deben contar según Vitrubio (firmitas, utilitas, venustas), el diseño de esta medalla se basa en los diseños de Louis Sullivan, aparte de recibir este galardón de bronce se le otorga al ganador un premio anual de (100,000.00 Dlls.) cien mil dólares.

El Pritzker tiene un claro paralelismo con los premios Nobel, tanto por su importancia y repercusión, como por la forma en que se decide cada año el ganador. Las ceremonias de entrega no se celebran siempre en el mismo lugar, sino que se llevan a cabo en ciudades diferentes del mundo.

El primer arquitecto de ascendencia latina en ganarlo fue Luis Barragan, de Guadalajara, México. Años más tarde, en 1996, fue galardonado el español Rafael Moneo. El premio Pritzker es hasta hoy en día el premio de más prestigio y más peso de los galardones otorgados a los arquitectos.

Premios otorgados

1979 Philip Johnson (1906–2005) (Estados Unidos)
1980 Luis Barragán (1902–1988) (México)
1981 James Stirling (1924–1992) (Reino Unido)
1982 Kevin Roche (Irlanda /Estados Unidos)
1983 Ieoh Ming Pei (China /Estados Unidos)
1984 Richard Meier (Estados Unidos)
1985 Hans Hollein (Austria)
1986 Gottfried Böhm (Alemania)
1987 Kenzo Tange (1913–2005) (Japón)
1988 Gordon Bunshaft (1909–1990) (Estados Unidos)
Oscar Niemeyer (Brasil)
1989 Frank Gehry (Canadá /Estados Unidos)
1990 Aldo Rossi (1931–1997) (Italia)
1991 Robert Venturi (Estados Unidos)
1992 Álvaro Siza (Portugal)
1993 Fumihiko Maki (Japón)
1994 Christian de Portzamparc (Francia)
1995 Tadao Ando (Japón)
1996 Rafael Moneo (España)
1997 Sverre Fehn (Noruega)
1998 Renzo Piano (Italia)
1999 Norman Foster (Reino Unido)
2000 Rem Koolhaas (Países Bajos)
2001 Herzog & de Meuron (Suiza)
2002 Glenn Murcutt (Australia)
2003 Jørn Utzon (Dinamarca)
2004 Zaha Hadid (Iraq /Reino Unido)
2005 Thom Mayne (Estados Unidos)
2006 Paulo Mendes da Rocha (Brasil)
2007 Richard Rogers (Reino Unido)
2008 Jean Nouvel (Francia)
2009 Peter Zumthor (Suiza)

Arquitectura Dinamica

2009-05-19T02:54:00.005-05:00

Se abre la era de la "arquitectura dinámica", bautizada así porque "introduce una cuarta dimensión en el diseño: el tiempo". Así lo asegura el arquitecto italiano David Fisher, que ha presentado su "rascacielos giratorio y autosuficiente", el cual permitirá a sus habitantes modificar la orientación de sus apartamentos para cambiar el paisaje o seguir la progresión del Sol.

Los dos primeros comenzaron a construirse en Dubai y Moscú y previsiblemente estarán terminados a finales de 2010, y ya está en marcha otro proyecto para la ciudad de Nueva York.

El rascacielos de Dubai ( torre Da Vinci ) medirá 420 metros de altura y tendrá 80 pisos, de los que los primeros 20 serán oficinas; los 15 siguientes, un hotel de seis estrellas; los 35 siguientes, apartamentos de lujo (desde 124 metros cuadrados), y los últimos, 10 viviendas de 1.200 metros cuadrados con ascensor privado, jardín, piscina y aparcamiento dentro del piso. El de la capital rusa tendrá estas mismas características pero será un poco más bajo (70 pisos y 400 metros de altura).

Cada una de las plantas de estos edificios en movimiento girará a la velocidad que escojan los inquilinos y rotará de forma independiente con respecto a los demás pisos, por lo que el edificio cambiará de forma constantemente.
Según los cálculos previos, el precio de un metro cuadrado en un apartamento en las plantas superiores puede ascender hasta los 30,000.00 dólares (unos 19.000 euros). A pesar del precio, ya ha empezado a llenarse la lista para poder reservar alguna de las viviendas del edificio de Dubai.

Torre ecológica
Según ha explicadoel Arquitecto Fisher, la torre giratoria es además el primer rascacielos ecológico y autosuficiente desde el punto de vista energético, ya que genera electricidad transformando la energía del Sol y el viento gracias a las 79 turbinas eólicas dispuestas horizontalmente entre cada piso y a los paneles fotovoltaicos de los techos, con lo que se podría suministrar energía también a los edificios colindantes.

Se trata también del primer edificio que se construirá enteramente con piezas prefabricadas, con el objetivo de reducir los tiempos de construcción en un 30% y los costos en más de un 10%.
El arquitecto asegura que para la materialización de su proyecto sólo se requerirá el trabajo de 600 personas en la obra de montaje y 80 técnicos en el lugar de construcción, en lugar de los 2.000 trabajadores que habrían sido necesarios para realizar una construcción tradicional de las mismas dimensiones.

El nuevo sistema constructivo promete una velocidad de ejecución de un piso por semana, debido a un nuevo método: el núcleo central de la torre se levantará a pie de obra, y los pisos se realizarán sección por sección en la fábrica y se engancharán al eje central cuando se monten, ya amueblados y con todas las instalaciones.

Otra característica de estos edificios será la facilidad de mantenimiento, considerando que todas las partes se podrán inspeccionar y reparar independientemente, de forma que podrán durar más que otras construcciones contemporáneas.
Según Fisher, la prefabricación será la forma de construcción del futuro, porque permitirá "obras limpias y verdes sin ruido, polvo, emisiones o desechos, con mayor seguridad en el puesto de trabajo, tiempos de construcción más breves y menores consumos de energía".

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

Un maestro no reconocido,Terragni

2009-05-13T15:56:00.001-05:00

El Arquitecto Giuseppe Terragni (1904-1943, Italia).

Pionero del Racionalismo italiano y fascista de toda la vida, lo bastante comprometido con la causa de Mussolini como, para alistarse como voluntario e ir a luchar en el frente ruso, produjo uno de los grandes edificios del siglo XX.

Terragni da cuerpo a la frase de Mussolini:

"El fascismo es una casa de cristal’ donde no debe existir ‘ninguna barrera, ningún obstáculo entre la jerarquía política y el pueblo".

El fascismo se describió entonces como una casa de cristal, (palabras que los arquitectos contemporáneos debemos recordar antes de intentar sugerir la transparencia), por tanto para ellos, de manera implícita, el cristal es inherentemente democrácia.

Pero aunque no quede hostil ni fuera de lugar al pie de las montañas de la hermosa ciudad de Como, ante el teatro de la ópera y el duomo, refleja la fe de una generación de arquitectos italianos en la revolución fascista.

De esta obra se desprende su inquietud creativa en el ámbito de sus "Ideales Racionalistas", que competía con su buen amigo Le Corbusier.

Es un prisma perfecto, planta cuadrada con lado de 33.20 m. y altura 16.60 m., que corresponde exactamente a la mitad. Las fachadas no son libres con respecto al armazón estructural, al contrario, se involucran para extraer una profundidad inherente al concepto.

Terragni empleó la arquitectura para transmitir un concepto intelectual del fascismo, así como para dar una sensación de otra era en Italia, sensación que ha sobrevivido en el edificio incluso en su encarnación actual como sede del distrito de la policía fiscal italiana.

Sin Embargo con su genialidad, la Casa del Fascio, en Como, tiene tanta carga ideológica como cualquiera de los diseños de Albert Speer o Boris Iofan (arquitectos favoritos de Hitler y Stalin, respectivamente).

Pero se basa en una exploración muy sutil y muy imaginativa del espacio, empleada para exaltar el movimiento de los camisas negras sin caer en los habituales trucos visuales del tamaño, la intimidación o la iconografía explícita.

Como el santuario nazi de Troost (arquitecto favorito de Hitler antes de Speer) en Munich, la Casa del Fascio exhibía reliquias de fascistas muertos. Terragni las puso en un cubo de cristal en lugar de un templo clásico. Las hileras de puertas se abrían todas a la vez mediante un mecanismo eléctrico, permitiendo que una columna de camisas negras saliera simultáneamente e invadiera la plaza exterior.

El edificio tiene un hueco en el centro, dignificando a las distintas organizaciones del partido dispuestas alrededor, y se suponía que su planificación debía reflejar la camaradería de los voluntarios fascistas más que una jerarquía profesional.

No es fácil decir que es un edificio humano, pero no oprime de una manera obvia al visitante, como las obras realizadas por sus contemporáneos.

El autor de la Casa del Fascio de cómo:

Para algunos, la obra más importante del racionalismo italiano, intervino en las polémicas estéticas y en la vida pública con idéntica pasión. Debido a la estrecha relación de la excelencia arquitectónica con la militancia totalitaria, fue inevitable motivo de embarazo para la historiografía de los vencedores en la II Guerra Mundial.

Arquitectura de estado sin trascendencia:

Tal ha sido el juicio y la descalificación, de algunas escuelas de Arquitectura, sobre la obra de Giuseppe Terragni, que en apenas quince años de vida profesional dejó tras de sí un apretado haz de edificios magistrales y modernos. En su voluntad de expresar un nuevo concepto artístico y funcional.

Les recomiendo esta pagina, (Architect Terragni )que contiene un estudio bastante interesante, realizado a esta obra:

Publicado por:

Arq. Emilio R. Covelo.

Como empresa

2009-05-10T00:25:00.002-05:00

Nuestra proyeccion:

Misión:

Es prepararnos, y adquirir todas las herramientas, para poder desarrollar con la mayor calidad dentro de nuestros ámbitos, tanto profesional, como académico y personal. Exigiéndonos la capacidad para solución de problemas, búsqueda de temas de interés,
presentación del medio y contenido del mismo.
Teniendo como base valores y principios que conlleven, a un correcto nivel de información, y a brindar un excelente servicio.
Enfocándonos en las sanas relaciones interprofesionales, para nuestros suscriptores, con el fin de fortalecer el trabajo en equipo, y de esta forma brindar y obtener ganancias.

Visión:

Crear estrategias y productos para poder innovar, con la mayor calidad, las publicaciones y ofertas del sitio. Brindando lo mejor en cada instancia, a las personas con las que interactuamos por medio de sus visitas a la pagina. Creando de esta forma un ambiente agradable e interesante, respecto a los temas especializados que publicamos.

Objetivos:

-Posicionarnos como uno de los mejores sitios de la red.
-Captar audiencia de visitas, suscripciones.
-Obtener comentarios y crear foros de discusión, con respecto a temas específicos.
-Informar de forma objetiva y real.
-Obtener anunciantes con productos de calidad e innovadores.

Grupo Quantumm.

Madrid

2009-05-08T02:43:00.004-05:00

Madrid

ARQUITECTURA ANTIGUA DE MADRID - EDIFICIOS HISTÓRICOS

Madrid como ninguna otra ciudad española es ordenada y bella por un lado y bulliciosa y caótica por otro. Se caracteriza por ser una ciudad abierta, cosmopolita y munífica, donde todo el mundo es bienvenido.
Inmersa en el medio de la geografía del país, Madrid es la capital de España y alberga las sedes del Gobierno, la administración y la residencia de los reyes.
A su vez, la ciudad avanza con hoteles lujosos, flamantes puentes, elegantes centros comerciales y bares vanguardistas, convirtiéndola en un gran destino a nivel mundial.

Su centro turístico se encuentra principalmente en los barrios del Centro, Chamberí, Arganzuela, Retiro y Salamanca y desde la famosa Puerta del Sol, nacen diez calles y allí comienza la numeración de todas las calles de Madrid y rutas principales de España.

Desde aquí como mencionamos existen calles famosas en Madrid, como la Calle Mayor, la cual conduce hacia la Plaza del mismo nombre, continuando hacia el denominado Madrid de los Austrias, llegando por último a la Calle Bailén, muy cerca de la Catedral de la Almudena y la Iglesia de San Francisco el Grande.
Cerca de este punto se encuentran las ruinas de las murallas y atalaya árabes de la antigua fortaleza de Mayrīt así como de la posterior muralla cristiana. En este entorno se encuentran algunas de las zonas ajardinadas más bellas de la ciudad, como el Campo del Moro y los Jardines de Sabatini.

Algo más al Oeste están la Casa de Campo y el entorno del río Manzanares, cruzado por los puentes de Segovia y de Toledo de las calles del mismo nombre.
En la segunda, más adelante, se encuentra la Puerta de Toledo.
Otra de las calles famosas es la Alcalá, que va hacia el lado noreste de Madrid. Desde este punto se llega a la Plaza de Cibeles, con edificios emblemáticos como el Banco de España, el Palacio de Comunicaciones o la Fuente de Cibeles.

Luego esta calle alcanza la Plaza de la Independencia, donde está la Puerta de Alcalá, el Parque del Retiro y el Palacio de Cristal. Cerca de la M-30 se cruza con la Plaza de Toros de Las Ventas.
Las Calles del Correo, Carretas y de Espoz y Mina, avanzan hacia el sur, donde está el barrio de Las Letras.

Esta zona es exclusiva por sus bares de tragos y pubs, sobre las calles Atocha, Huertas y la Plaza de Santa Ana. Aquí está la Estación Terminal(Ferrocarril) de Atocha.
El Paseo de San Jerónimo parte hacia el sureste, cruzando las plazas de Canalejas y de las Cortes y llegando hasta el llamado Tríangulo del arte de los museos del Prado, Reina Sofía y Thyssen-Bornemisza en el ajardinado Paseo del Prado.

En el mismo Paseo del Prado se encuentra la fuente de Neptuno, lugar de celebración de victorias del club de fútbol Atlético de Madrid. Esta calle continúa hacia el norte con el nombre de Paseo de Recoletos hasta la Plaza de Colón, en la que se encuentra la Biblioteca Nacional, las Torres Colón, un monumento al descubridor y una enorme bandera de España.
En este punto cambia de nuevo su nombre a Paseo de la Castellana, convirtiéndose en una de las vías más importantes de la capital y alcanzando el extremo norte de ésta.
La Calle Arenal llega al Teatro Real en la Plaza de Ópera, continuando hasta la Plaza de Oriente, donde se encuentra el Palacio Real. Desde allí la Calle Bailén conduce hasta la Plaza de España en la que se encuentran el monumento a Miguel de Cervantes, los edificios España y Torre de Madrid y el Templo de Debod.
También en esta plaza nace la Gran Vía de Madrid, que avanzará dejando al norte el barrio de Malasaña, de una importante actividad cultural y nocturna, cruzándose con las Calles del Carmen y Preciados en la Plaza de Callao y más adelante con la Calle Montera.
En este punto Malasaña deja paso al barrio de Chueca, de ambiente alternativo. La Gran Vía finalmente terminará al cruzarse con la calle Alcalá.
La Calle Arenal llega al Teatro Real (Antonio López Aguado y Custodio Moreno, 1850), en la Plaza de Ópera, continuando hasta la Plaza de Oriente, donde se encuentra el Palacio Real (Filippo Juvara y Juan Bautista Sachetti, 1738-1764).

Edificio Veles i Vent

2009-05-08T02:15:00.001-05:00

En las antípodas del Palau de les Arts y queriendo ser el icono del Port America’s Cup, en la misma ciudad de Valencia, nos encontramos el edificio Veles i Vent, con proyecto del arquitecto David Chipperfield y b720 Arquitectos, que ganaron por concurso internacional por invitación en el año 2005.

Una vez construido obtuvo el premio de arquitectura LEAF 2006.
Los premios LEAF están organizados por el ‘Leading European Architects Forum for intelligent design and build innovations’ (foro de arquitectos líderes en Europa para el diseño inteligente y la innovación) y están abiertos a las empresas, tecnologías y profesionales que hayan contribuido de forma sobresaliente al mundo del diseño y la arquitectura. Los galardones LEAF premian aquellas creaciones que hayan marcado un hito en este mercado.
Los premios LEAF están divididos en ocho galardones para diferentes categorías y uno general al mejor proyecto. Este último es el que han obtenido David Chipperfield y b720 Arquitectos por el Veles e Vents.

Este edificio minimalista, esta formado por una serie de terrazas escalonadas y superpuestas, con una osada estructura de grandes voladizos, volcados al nuevo canal que da salida a la dársena interior del puerto al mar.
Pero tampoco se ha visto librado de problemas este edificio, en este caso por la celeridad de su construcción, obligado por la competición.